Programa Nº 60

Contenidos del programa:
- Los 100 mejores discos de Jazz: "Fontainebleu" de Tadd Dameron.
- Poesía: "Nocturno de la alcoba" de Xavier Villaurrutia.
- La historia de la música en el cine indio.
- Andrea Belfi/David Grubbs/Stefano Pilia: "Onrushing Cloud"
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Los 100 Mejores Discos de Jazz

TADD DAMERON: "FONTAINEBLEU"

(PRESTIGE, 1956)

El propio Tadd Dameron es el compositor de todos los temas y está acompañado en estas sesiones de grabación, realizadas en Nueva York, por Kenny Dorham a la trompeta, Sahib Sihab al saxo alto, Joe Alexander al saxo tenor, Cecil Payne al saxo barítono, Henry Coker al trombón, John Simmons al contrabajo y Shadow Wilson a la batería, con Tadd Dameron, por supuesto, al piano.
El primero de los temas de este disco es precisamente el que le da nombre, “Fontainebleu”, una pequeña suite en tres partes, totalmente escrita y de carácter impresionista, inspirada en la devoción que Dameron sentía hacia Maurice Ravel y Duke Ellington. La música describe el palacio, el bosque y los cisnes de Fontainebleu.

Andrea Belfi / David Grubbs / Stefano Pilia: "Onrushing Cloud"

The History of Indian Film Music

El sello discográfico Saregama ha editado una caja con 10 CDs, que resume la historia de la música para películas en la India, una extraordinaria enciclopedia sonora que recorre sucesivas generaciones de músicos entregados a una extravagante y pantagruélica creatividad e inventiva.
En los primeros tiempos del cine indio, los músicos se colocaban a veces en las ramas de los árboles para no ser vistos por la cámara. Cuando los actores que estaban al pie del árbol comenzaban a cantar, los intérpretes les acompañaban con la tabla y el harmonio. Progresivamente, la tecnología fue avanzando y los actores movían sus labios delante de la cámara, añadiéndose posteriormente las voces por parte de cantantes profesionales, grabados en el estudio frente a una orquesta que podía llegar a estar compuesto por 150 músicos. Nacía así el playback, que haría estrellas inmensamente populares de la canción a vocalistas como Lata Mangeskhar y Asha Bhosle.
Esta pesada caja de 10 CDs y un libro de 130 páginas es un excelente recorrido por la historia de las canciones cinematográficas de la India desde 1930 hasta el presente. Es también quizás el primer intento para realizar un estudio exhaustivo de este ingente material, estando dirigido fundamentalmente al público indio, familiarizado con los éxitos de compositores como RD Burman, el dúo Laxmikant-Pyarelal y AR Rhaman, con los que han crecido.

Los discos de esta caja están organizados por décadas, dos para cada una de las décadas doradas de los 50, 60 y 70, mientras que las décadas siguientes, cuyo valor musical es más dudoso, sólo se merecen un disco cada una.
En los años 50, las multicolores películas de la India comenzaban a rodar a toda máquina, y algunos de los cortes musicales pertenecientes a esta década son difíciles de batir en cuanto a inventiva y brillantez. Si tomamos, por ejemplo, el tema “Bholi Surat Dil Ke Khote”, un dueto entre Lata Mangeshkar y Chitalkar grabado en 1951, el repiqueteo de los tambores y la chispa de las flautas son barridos por una sección de cuerda, salpicada con una figura de trompeta. Y esto sólo en la introducción, antes de que los tambores comiencen a pavonearse, marcando un paso de vals, y Lata eleve su esplendorosa voz.

RD Burman compuso la música de siete películas de éxito solamente en 1972. Los compositores, actores, cantantes y directores de cine competían, se enfadaban, criticaban y robaban el trabajo unos de otros. La extravagancia, avaricia y pompa de Bollywood se encuentran en su apogeo y se podía encontrar a una docena de los mejores compositores musicales de la India cómodamente sentados en sus salas de estar, completando las canciones de otros, pero respetando siempre su estilo.

Sin embargo, el material más impactante es el contenido en el primer disco, dedicado a las décadas de los 30 y 40, cuando los actores cantaban sus propias canciones. KL Saigal era un actor masculino autodidacta y cargado de alcohol, con una voz seria y muy grave. Ashok Kumar comenzó como asistente de laboratorio, pero saltó a la pantalla cuando el actor protagonista de una de las películas se puso enfermo, iniciando así una carrera como actor y cantante que duraría cincuenta años.
Por su parte, Pankaj Mullick fue uno de los compositores teatrales bengalíes que introdujeron instrumentos occidentales como el violín, el violonchelo, el piano y las mandolinas en sus bandas sonoras. Su composición “Piya Milan Ko Jana”, de 1931, provoca un efecto inquietante al rebotar las líneas de clarinete y sitar alrededor de un conjunto musical basado en el piano, un extraño sonido para un mundo incipiente.

Programa Nº 59

Contenidos de este programa:
- Filosofía: Anaximandro y el significado de ápeiron.
- Poesía: "Nocturno amor" de Xavier Villaurrutia.
- Estrenos de cine: "Pan negro" de Agustí Villaronga y "Louise-Michel" de Kervern/Delépine.
- Música: Baths y Joshua Abrams.
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Gustave de Kervern y Benoît Delépine: "Louise-Michel"

Una fábrica en algún lugar de la Picardie francesa. Unos meses después de una reducción de plantilla, las trabajadoras están alerta, pero reciben un regalo de empresa que las tranquiliza. A la mañana siguiente, descubren que todo ha sido desmantelado durante la noche y que la dirección es cómplice ...

Agustí Villaronga: "Pa Negre (Pan Negro)"

En los crudos años de la posguerra rural en Cataluña, Andreu, un niño que pertenece al bando de los perdedores, encuentra un día en el bosque los cadáveres de un hombre y su hijo. Las autoridades quieren cargar el muerto a su padre, pero él, para ayudarle, intenta averiguar quien los mató. En ese recorrido, se produce en Andreu el despertar de una conciencia moral frente a un mundo de adultos alimentado por las mentiras.

"El poderío visual y la expresividad de Villaronga hacen creíble, desgarrada y lírica esa brutalidad ambiental (...) Es una película dura y compleja, realista y perturbadora. Deja poso." (Carlos Boyero: Diario El País)
"La primera escena (...) resulta sencillamente genial. Brutal. (...) Su poca habilidad de narrador resta eficacia e impacto a la indudable y turbia imaginación visual del cineasta. (Luis Martínez: Diario El Mundo)
"Villaronga se atreve con secuencias arriesgadas desde todos los puntos de vista (...) le impone un ritmo y un tono absolutamente clásico y a la vez moderno (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

Baths: "Cerulean"

Debut album from Los Angeles-based beatmaker Will Wiesenfeld, who was introduced to Anticon by instrumental hip-hop dandy Daedelus.

Joshua Abrams: "Natural Information"

Natural information, Abrams' 1st record for eremite is another fascinating entry in a solo discography of recordings that gather aesthetic input from all over the map into vivid personal statements. at the heart of natural information is the guimbri, a three-stringed animal hide bass traditionally used by the gnawa of north africa in healing ceremonies. combining solo, trio & quartet formats with adroit use of sampling techniques abrams creates intricate psychedelic environments that join the hypnotic, trance-like character of gnawa guimbri music to more contemporary musics & methodologies.

Anaximandro: el significado de Ápeiron

Ápeiron como contenido del arjé
(D-K 12 A 9) Simplicio, Fís. 24, 13-25: Entre los que dicen que es uno, en movimiento e infinito, Anaximandro de Mileto, hijo de Praxíades, que fue sucesor y discípulo de Tales, dijo que el principio y elemento de todas las cosas existentes era lo ápeiron [indefinido o infinito], y fue el primero que introdujo este nombre de «principio». Afirma que éste no es agua ni ningún otro de los denominados elementos, sino alguna otra naturaleza ápeiron, a partir de la cual se generan todos los cielos y los mundos que hay en ellos. Ahora bien, a partir de donde hay generación para las cosas, hacia allí también se produce la destrucción, «según la necesidad; en efecto, se pagan mutuamente culpa y retribución por su injusticia, de acuerdo con la disposición del tiempo», hablando así de estas cosas en términos más bien poéticos.
(D-K 12 A 10) Ps. Plutarco, Strom., 2: Anaximandro, compañero de Tales, dice que lo ápeiron es la causa entera de la generación y destrucción de todo.
(D-K 12 A 11) Hipólito, Ref., I 6, 2: Anaximandro... éste dijo que el principio y elemento de las cosas es lo ápeiron, siendo el primero que utilizó este nombre de principio.
(12 A 14) Aecio, I, 3, 3: Anaximandro... dijo que el principio de las cosas es lo ápeiron, pues a partir de él se generan todas las cosas y en él todas perecen.
Ápeiron como mezcla y como elemento intermedio
(D-K 12 A 16) Arist., Fís. I 4, 187a: Algunos piensan que de lo uno se separan los opuestos, como dicen Anaximandro y cuantos afirman que existe lo uno y lo múltiple, como Empédocles y Anaxágoras: pues ellos separan también las demás cosas a partir de la mezcla <>).
Arist., De gen. y corr. II 1, 328b, 34-35: Algunos dicen que la materia sustrato de estos [cuerpos sensibles] es una, pensando que es aire o fuego o algo intermedio (metaxù) entre éstos.
Arist., De gen. y corr. II 5, 332a, 19-25: No es de uno solo de estos [cuatro elementos] de donde proceden todas las cosas, ni tampoco de algo aparte de éstos, tal como algo intermedio (méson) entre aire y agua o entre aire y fuego, más denso que el aire y el fuego, y más sutil que los otros..., de donde se sigue que no es posible que [lo intermedio] se reduzca jamás a uno sólo, tal como algunos dicen de lo ápeiron y de lo abarcante.
El gónimos y la generación de los contrarios
(D-K 12 A 10) Ps. Plutarco, Strom, 2: Dice también que, en la generación de este cosmos, el germen (tò gónimon) de lo caliente y lo frío fue segregado de lo eterno, y que de ello surgió una esfera de llamas en torno al aire que circunda a la tierra, como una corteza en torno al árbol; al romperse [la esfera] y quedar encerradas [sus llamas] en algunos círculos, se formaron el sol, la luna y los astros.
(D-K 12 A 9) Simplicio, Fís. 24, 23-25: [Anaximandro] no deriva la generación de la alteración del elemento, sino de la separación de los contrarios por obra del movimiento eterno. Por eso Aristóteles lo conecta con los discípulos de Anaxágoras.
Simplicio, Fís. 150, 20-25: No explica las generaciones por alteración del sustrato, sino por separación, pues los contrarios están contenidos en el sustrato, que es un cuerpo ápeiron, y se separan, según dice Anaximandro, el primero que llamó principio al sustrato. Los contrarios son: lo caliente, lo frío, lo seco, lo húmedo, y otros.
Ápeiron como diferente de los cuatro elementos
D-K 12 A 16) Arist., Fís. G 5, 204b: Hay algunos, en efecto, que suponen que esto [lo que existe fuera de los elementos] es ápeiron, y no aire o agua, de modo que los demás elementos no sean destruidos por ser ápeiron uno de ellos, ya que los elementos son contrarios entre sí: como por ejemplo, el aire es frío, el agua húmeda, el fuego caliente; y si uno fuera ápeiron, los otros serían destruidos. Por eso dicen que aquello de lo que proceden éstos es distinto.
Simpl., Fís. 479-480: Y que ninguno de los elementos puede ser ápeiron es evidente también porque Anaximandro, deseando que el elemento fuera ápeiron, no propuso que fuera aire, fuego o alguno de los cuatro elementos; porque al comportarse éstos contrariamente entre sí, si alguno de ellos fuera ápeiron, sus contrarios serían destruidos por él.

Programa Nº 58

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Contenidos:
- Historia del cine: "El asesinato del duque de Guise".
- Xavier Villaurrutia: "Estancias nocturnas".
- El romanticismo alemán: el Círculo de Heidelberg.
- Entrevista a Salvador Dalí (4ª parte).
- Voces contra la globalización (5ª parte).
- William Cliff: "El pan cotidiano".

Historia del Cine

Las implicaciones sociales de películas como “El asesinato del duque de Guise”, de 1908, y del film de una hora de duración “Los amores”, dirigido por Henri Desfontaines y Luis Mercanton en Francia en 1919, que presentaba a la estrella del teatro Sarah Bernhardt y que fue importada en los Estados Unidos por Adolph Zukor, fueron considerables. El cine había abierto sus puertas a nuevas audiencias de buena posición social y económica, que demandaban películas más sofisticadas y refinadas que las que se podían ver en los nickelodeons, los pequeños teatros de variedades, las ferias ambulantes y las trastiendas, que habían sido hasta entonces los lugares de exhibición del cine.
Este nuevo público quería ver además asuntos de más enjundia, y el cine se los daría. En el transcurso de una generación, se construirían lujosas salas de cine donde la gente corriente se podía sentir como la realeza por una noche y donde el cine se convirtió en un medio de contemplación a la vez que una sensación.
La película “El asesinato del duque de Guise” puede parecer estática en la actualidad, pero en su tiempo, su fotografía y puesta en escena abrieron nuevos horizontes. La cámara está situada a la altura de la cintura, en una época en que la norma universalmente aceptada era que estuviese a la altura del hombro. En algunas escenas se puede ver a algunos actores de espaldas a la cámara o de perfil, esto era también totalmente nuevo. La mayoría de las películas hasta entonces habían sido frontales y la acción transcurría de cara al espectador.
Las implicaciones de este “mirar hacia dentro” fueron amplias. Si los espectadores quisieran ver el rostro de los actores que se encontraban de espaldas, la cámara tendría que haberse situada en el medio de la escena y haberse girado hacia el espectador y esos actores. Tendrían que pasar otros cuatro años hasta que esta técnica, el rodaje en ángulo inverso, empezara a ser utilizada.

Entrevista a Salvador Dalí por Soler Serrano (4)

Voces Contra la Globalización (5)

William Cliff: "El pan cotidiano" (Editorial Pre-Textos)

Publicado originalmente en 2006, El pan cotidiano , de William Cliff, ahora publicado en España por la editorial Pre-Textos, en su colección La Cruz del Sur, es un único poema compuesto por 140 dizains, es decir, por 140 estrofas de diez versos decasílabos rimados siguiendo siempre la misma estructura. La cotidianidad presente en su título se materializa en el lugar y la fecha de escritura de casi todos los poemas, consignados al final de los mismos. En ocasiones el autor añade a estos datos de lugar y tiempo una breve explicación de la ocasión o la anécdota que generan el poema. El primero de los textos está fechado en febrero de 2002 y el último en julio de 2005, lo que cubre más de tres años de escritura. Asistimos a un viaje por la intimidad de su autor: cada poema o fragmento del único gran poema da cuenta de un instante de vida, de un pensamiento ocasional, de una impresión, de una sensación, de un recuerdo, de una imagen, de una ensoñación, de un momento vivido en el presente o en el pasado (poca diferencia hay, pues el presente se vive con la distancia del pasado y el pasado se incorpora a la presencia del presente). No parece haber un orden preconcebido en la estructura del libro, sino que la sucesión de los fragmentos se ofrece tal y como el azar de la vida nos ha ido entregando las vivencias. El libro (o el poema) será el reflejo de la vida, casi tan verdadero como la vida misma, o al menos en absoluto engañoso. Si lo real está destinado a querer decirnos algo, lo dirá por sí solo. Como ha dicho Cliff en algún lugar, para justificar la escasez de metáforas en sus poemas: «Es lo real mismo lo que debe volverse metafórico».

Programa Nº 57

Contenidos del programa:
- Entrevista a Salvador Dalí (1ª parte).
- Novedades de la editorial Anagrama: Pierre Michon, Jean Echenoz y Patrick Modiano.
- Voces contra la globalización (3).
- Estrenos cinematográficos: Oliver Stone y Fernando León.
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Fernando León: "Amador"

El director español Fernando León de Aranoa aborda el tema de la inmigración en “Amador”. Marcela es una mujer joven en apuros económicos que cuida durante el verano de Amador, un señor mayor postrado en cama, en ausencia de su familia. Los dos ocultan algo que nadie sabe de ellos. Dos desconocidos, Marcela y Amador no tardan en confiarse sus respectivos secretos. Un suceso inesperado dejará luego a la chica enfrentada a un difícil dilema moral. Pero Amador y Marcela han alcanzado ya, sin saberlo, un acuerdo. Al cumplirlo van a demostrar que la muerte no siempre es capaz de detener la vida.
Una película algo impostada, forzada y con una moraleja bastante obvia y manida, en la que Fernando León se esfuerza por sorprender con giros inesperados, pero no siempre lo consigue ni mueve a la reflexión, aparte del discurso trillado de siempre. Uno de sus escasos aspectos positivos, es su optimismo respecto a sus anteriores trabajos, si es que el optimismo es hoy en día algo positivo.

Oliver Stone: "Wall Street 2"

La nueva película del director norteamericano Oliver Stone se titula “Wall street: el dinero nunca duerme”. Se trata de una secuela de la popular cinta de 1987 "Wall Street". Oliver Stone vuelve a dirigir a Michael Douglas como el implacable tiburón de las finanzas Gordon Gekko, papel con el que consiguió el Oscar al mejor actor. Ambientada 20 años después de la original y puesto en libertad después de cumplir una prolongada condena en prisión, Gekko se encuentra fuera de un mundo que en tiempos dominó. Buscando rehacer sus arruinadas relaciones con su hija, Gekko se alía con el novio de ésta, Jacob (Shia LaBeouf), quien comienza a ver en él la imagen de un padre. Pero Jacob aprende de forma amarga que el manipulador Gekko va detrás de algo muy distinto de la redención... Lamentablemente, Stone se toma demasiado en serio a sí mismo y a su idea de la célebre burbuja financiera (...) idea que se empeña en traspasar a su película, a la cual engorda para luego pincharla en un desenlace que la deja absolutamente vacía.

Patrick Modiano: "El horizonte"

El primer encuentro entre Jean Bosmans, un aprendiz de escritor, y Margaret Le Coz se produce por azar. Años después el protagonista de la novela se pregunta si las palabras que dos personas han intercambiado durante su primer encuentro se han disipado en la nada... ¿Y si todas esas palabras quedaran suspendidas en el aire y bastase tan sólo un poco de atención para captar sus ecos? Bosmans se busca entonces en un pasado sólo re­cuperable a partir de fragmentos de vida. Anotando uno a uno los recuerdos, avanza Bosman tras los pasos no sólo de sí mismo, sino de Margaret Le Coz. Pronto descubriremos que Margaret se esconde en los subur­bios de París y huye de Boyaval, una sombra amenazan­te que se cierne sobre los amantes. Treinta años más tar­de Bosmans redibuja el mapa de su relación con Margaret, motivado por el luminoso horizonte del título y no por la melancolía. Y es ese horizonte esperanzado lo que hace de esta hermosísima novela una obra pecu­liar dentro del hipnótico universo literario de Patrick Modiano.

Jean Echenoz: "Correr"

En los Juegos Interaliados de Berlín, en 1946, al ver de­trás del cartel de Checoslovaquia a un solo atleta desma­ñado, todo el mundo se ríe. Pero después, cuando en los cinco mil metros acelera sin parar y cruza la meta en so­litario, los espectadores estallan en un clamor. El nom­bre de ese chico que siempre sonríe es Emil Zátopek. En pocos años y dos Olimpiadas, Emil se convierte en inven­cible. Nadie puede pararlo: ni siquiera el régimen che­coslovaco, que le espía, limita sus traslados y distorsiona sus declaraciones. Emil corre contra su decadencia, y sonríe. Incluso en las minas de uranio adonde lo destie­rran porque ha apoyado a Dubcek. Ni siquiera Moscú puede pararlo. La nueva novela de Jean Echenoz atraviesa cuarenta años de un destino excepcional y sin embargo misteriosamente parecido al nuestro. Y nos regala una escritura encrespada de esa impagable ironía que para Echenoz es sólo un pudoroso afecto. Su título: “Correr”.

Pierre Michon: "Los once"

Entre sus novedades más recientes, la editorial Anagrama publica el último libro del autor francés Pierre Michon, titulado “Los once” e inspirado en un cuadro del Louvre que representa a los once miembros del Comité de Salvación Pública que, en Francia y en 1794, ri­gió el gobierno revolucionario e instauró el Terror. Un pintor: François-Élie Corentin. Un escritor: el historiador Jules Michelet, que dedica doce páginas de la Historia de la Revolución Francesa al cuadro Los Once. Quien busque ese cuadro en el Louvre o a ese pintor en una Historia de la Pintura no los encontrará. Y quien abra ese tomo de Michelet, se encontrará con el nombre de Géricault, no con el de Corentin, y con la descripción de un cuadro que quizá sí existe. Ese cuadro que podría haber estado en el Louvre, Los Once, cambia según el lado desde donde lo mire el visitante, como cambian esos once «apóstoles lai­cos» que pudieron, dice Michon, ser el Pueblo, y, a la postre, fueron «el regreso del tirano global». «La consumada habilidad con que se mezclan la minucio­sa documentación histórica y los elementos inventados convierte esta invención en algo completamente verosí­mil» (Cécile Guilbert, Le Monde); «Un mundo que nace a golpe de picas y de guillotina y la historia de un hombre de Limusín a quien criaron unas mujeres, que aprendió el latín aunque no corriera prisa y lo convirtió en oro.
“Los once” es el resultado de quince años de trabajos preparatorios y de redacción y ha recibido el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa.

Hydrophonia

http://hydrophonia.com/

Entrevista a Salvador Dalí (1ª parte)

Programa Nº 56

Contenidos del programa:
- Literatura griega: Homero y la tradición épica.
- Entrevista a Salvador Dalí, por Soler Serrano (2ª parte).
- "Paideia" de Werner Jaeger.
- Arte prehistórico: el musteriense.
- Música: John Coltrane, alva noto, Mika Vainio, Andrea, Hans Fjellestad, Oetz/Wagner/Stuart, Robert Montoya y Damon Holzborn.
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Programa Nº 55

Contenidos de este programa:
- Habitual lectura de la novela de L.F.Céline que da nombre al programa, sobre fondo musical de John Coltrane.
- La Egiptología: nacimiento de una disciplina.
- Voces contra la globalización.
- Poesía: "Amplificaciones" y "Arroyo" de Xavier Villaurrutia.
- Música: Zeena Parkins, Yuuki Matthews y Wolfgang Voigt.
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Yuuki Matthews: "Music for Savage Tropical Imagery"

Asthmatic Kitty’s Library Catalog Music is a series of instrumental albums designed for possible use in films and television, background sounds for home or office, or personal needs, such as relaxation, stimulation, meditation, concentration, or elevation.

Yuuki Matthews is a Seattle-based freelance musician and owner of 2 cats. Originally from Hollywood (Burbank), California, Yuuki moved to the Northwest with his mother and brother in the mid-nineties. He recorded the songs that make up Music for Savage Tropical Imagery at home between tours, odd jobs, and major milestone events. With this record, Yuuki sought to expand upon the nostalgia of subtle sound degradation.

Zeena Parkins: "Between the Whiles"

One of the world's most creative harpists, Zeena Parkins has contributed her inimitable playing style to the work of artists like Bjork, John Zorn, Yoko Ono,Sonic Youth and Matmos, whilst also recording a number of wonderful solo albums (including the timeless Nightmare Alley) and a couple of Phantom Orchard collaborations with electronics guru Ikue Mori. What most immediately sets Parkins apart from her peers is a roving appetite to look beyond the ordinary constraints of her instrument. While she's an accomplished classical musician, Parkins tends to treat her harp as a sound generating machine with near limitless possibilities, intertwining its natural timbres with amplification, heavy effects and electronic processing.

Programa Nº 54

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Lluis Miñarro: "Blow Horn"

“Blow horn”, del español Lluis Miñarro, es una película construida como si se tratase de un Mandala, término de origen sánscrito que designa a los diagramas circulares simbólicos característicos del pensamiento hinduista y budista. El protagonista y coguionista es el Lama Jinpa Gyamtso, nacido en Terrassa, monje desde 1989 y director de varios centros de budismo tibetano en España. La cámara acompaña a un grupo de amigos que emergen de su retiro espiritual para emprender un viaje a La India. Allí, la aparentemente inalterable vida cotidiana demostrará no ser un impedimento para las búsquedas personales. Con su segunda película como realizador, el director pretende homenajear a aquellas personas que intentan explorar su propio interior en beneficio del resto de seres vivos.

Javier Fuentes-León: "Contracorriente"

“Contracorriente” es un film peruano, dirigido por Javier Fuentes-León. Miguel (Cristian Mercado) es un pescador de pueblo, casado y a punto de ser padre, que tiene un romance secreto con Santiago, un pintor forastero. Miguel se enfrenta a un gran dilema cuando Santiago se ahoga accidentalmente y regresa después de muerto a pedirle que encuentre su cuerpo en el mar y lo entierre según los rituales del pueblo para que su alma descanse.

Anton Corbijn: "El americano"

“El americano” es una película dirigida por Anton Corbijn y protagonizado por George Clooney, que encarna en esta ocasión a un asesino a sueldo que decide realizar un último encargo antes de retirarse para siempre. Así, se instala en un pequeño pueblo italiano donde, atraído por sus gentes, irá bajando poco a poco la guardia y perdiendo el anonimato y la cautela que su ocupación exige.

Achero Mañas: "Todo lo que tú quieras"

La familia Velasco, compuesta por Leo, Alicia y su pequeña hija Dafne, de cuatro años de edad, vive una vida tranquila en la ciudad de Madrid. Alicia es, habitualmente, la persona encargada del cuidado y la educación de la niña. Durante las vacaciones de navidad Alicia muere, inesperadamente, tras un ataque de epilepsia, dejando a su marido solo con su hija. Leo, hombre conservador y homófobo, cuida de la pequeña como mejor puede. Dafne, muy afectada por la ausencia de su madre, reclamará continuamente la figura materna. Leo, con el único objetivo de buscar la felicidad de Dafne, será capaz de renunciar a sí mismo, luchando contra sus propios prejuicios, hasta el punto de perder su propia identidad.

Matthew Dear: "Black City" (Ghostly International, 2010)

En Black City (2010, Ghostly International) Matthew Dear se saca de la manga su mejor disco hasta el momento. Un trabajo donde la electrónica sirve de telón de fondo para construir una nueva fórmula que sustituya a la guitarra y batería clásica, aunque al final viene a ser lo mismo pero con sintetizadores.

Edmund Husserl: el Antipsicologismo

Mucho se ha discutido sobre el psicologismo en Husserl, es decir, su intento de fundar la aritmética en la psicología. Tanto en su tesis doctoral (Sobre el Concepto de Número) como en Philosophie der Arithmetik (Filosofía de la Aritmética) Husserl emplea el método de la psicología descriptiva de Brentano. Tiempo después, en su obra maestra Logische Untersuchungen (Investigaciones Lógicas), Husserl rechaza todo tipo de psicologismo. Muchos filósofos de la tradición analítica le adjudican este cambio a la reseña que hiciera Gottlob Frege a la Filosofía de la Aritmética en 1894. Sin embargo, la verdadera razón de su cambio a una teoría del conocimiento platónica fue su lectura de las obras de Bolzano, Leibniz y Hermann Lotze. Evidencia de que su cambio fue antes de la crítica de Frege reside en su reseña de la obra de Ernst Schröder, Vorlesungen über die Algebra der Logik (Conferencias sobre el Álgebra de la Lógica), publicado en 1891. (J.N. Mohanty, Husserl and Frege)

Ross Bolleter: "Night Kitchen" (Emanem, 2010)

This is Bolleter's second collection of music on Emanem and his tenth since 2000. As with the first, it finds him making music on instruments that would seem upon cursory visual inspection as being unworthy of such attention. Bolleter recognizes the inherent humor and quixotic nature of his enterprise, but he's also very serious about his investigations. He improvises his pieces and in the case of this particular program, plays nearly all purposefully at night or near dawn with specific sources of inspiration in mind.

"Cloud Cuckooland" (Finders Keepers, 2010)

The endearingly demented diggers at Manchester’s Finders Keepers label have assembled a compilation of “progressive pop, Kosmische slop, Artschule psyche and post-rock readymades” from the catalogue of Eckhart Rahn’s Kuckuck label.
Rahn founded his imprint, which takes its name from the German word for cuckoo, in 1971. The visual identity of Kuckuck – the distinctive cuckoo logo, typeface and centre-labels – came from a design company in Munich called ConceptData (the above picture is a detail from the cover of Out of Focus’s Wake Up LP). Rahn concentrated on A&R and paperwork, enlisting the help of American DJ/producer Mike Sondeck; it was Sondeck who introduced American electronic composer Sam Spence (and his collection of Moog synthesizers, paid for – oddly enough – by the NFL) to Kuckuck. Spence would become one of the key players in the label’s unfolding story.
Finders Keepers’ Cloud Cuckooland compilation focusses on Kuckuck pre-1974, when it was very much a krautrock label. It is released alongside the excellent Sam Spence compilation, Sam Spence Sounds.

John Clyde-Evans: "Go Gracious Kiki Change"

It is a noisy shifting nest of fried loops, sizzling tones, off kilter rhythms, punctuations with some repeated vocal phrases for good measure. In the same vein as john's previous solo work, this release sees the introduction of vocals & almost stuttering hip-hop sampler type of rhythms. denser and noisier but maybe more grooving in a weird way.

- DALE GORFINKEL & AREK GULBENKOGLU - VIBRAPHONE/SNARE

Dale Gorfinkel & Arek Gulbenkoglu’s Vibraphone/Snare, their debut album as a duo, is the next in the series of limited edition releases by Avant Whatever label.

http://www.avantwhatever.com/?p=458

Programa Nº 53

Para bajar (y escuchar) el programa nº 53, sólo tienes que seguir el siguiente enlace:
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Entre sus contenidos, puedes encontrar:
- Romanticismo alemán: el círculo de Jena.
- Estrenos de cine: "Submarino" de Thomas Vinterberg.
- Pinacoteca Ambrosiana: "La última cena" de Vespino.
- Filosofía: Anaximandro (los contrarios).
- Historia: el poblamiento del continente americano.
- Música: John Coltrane, bandas sonoras de películas de Akira Kurosawa, Iibiis Rooge, Autechre, James Blackshaw y The Books.

James Blackshaw: "All is Falling"

“All Is Falling” is the new (and ninth) example of the technique of the six (or twelve) chords that someone who is around thirty and who has spent years shut up in a room practicing twelve hours a day can acquire. But this isn’t just any technique. The uninhibited experimentation that James Blackshaw works with is pure acoustic avant-garde. And listening to him doing topographic and in-depth exercises in guitar sounds, in his present work, he embraces the steep cliffs of electro-acoustic music for the first time in his career.

Autechre: "Move of Ten"

Podemos considerar Move of Ten un reverso amable del largo que editaron a principios de este año, Oversteps. El EP en cuestión dura más de 45 minutos, lo que ya muestra que probablemente es una colección de descartes más que otra cosa. Move of ten se aleja o evita los ritmos extraños y los quiebres sorprendentes, complicados malabarismos sonoros que causaron espasmos en discos como Chiastic slide (1997) o Confield (2001). Move of ten suena análogo a ratos, como si fuera una recuperación desde ahora del sonido de sus primeros discos, de los que recientemente el dúo ha confesado que se avergüenza.
Hay momentos de Move of ten (inútil reproducir los impronunciables títulos aquí) que rezuman algo que sólo puede describirse como sensualidad artificial. Después de años de matar el tiempo retorciendo sonidos de acuerdo con fórmulas cada vez más arcanas, aquí hay seducción, hay cosas que suenan como atisbos de algo brutal y desconocido, pero finalmente orgánico.

Iibiis Rooge: "Pink Hybrid"

Modern psychedelic High Wolf jams + Astral Social Club fucked up improv electronics = something we don't have a name for. Better than a one shot collab this duo is made to last. Forthcoming debut LP on Dekorder.

Andrea Bianchi, "Vespino": "La última cena"

En la PINACOTECA AMBROSIANA de Milán podemos encontrar el cuadro “La última cena”, de Andrea Bianchi, más conocido como Vespino, de la primera mitad del siglo XVII.
Este gran lienzo es la más importante de las copias de pinturas de Leonardo Da Vinci que Federico Borromeo encargó a Vespino. En su obra “Museum”, el cardenal explicaba que la copia fue hecha debido al deterioro que estaba sufriendo la obra maestra de Leonardo, considerado entonces como irreparable. Borromeo identificó el gran valor de la última cena por la intensa expresión de las emociones en las figuras de Cristo y de los apóstoles; consecuentemente, sólo quiso que se copiaran los bustos de las figuras, omitiendo el amplio escenario arquitectónico de la pintura original de Leonardo.
Borromeo también proporciona una invaluable información sobre la técnica pictórica utilizada en varias partes, copiadas en lienzos separados y unidas más tarde. Para hacer la copia lo más exacta posible, Vespino parece haber pintado cada cabeza después de estudiar concienzudamente los dibujos de Leonardo, y copió el cuadro dividiéndolo en cuadrados y calcándolo.

Thomas Vinterberg: "Submarino"

Entre los estrenos cinematográficos de la semana, destacamos “Submarino”, del director danés Thomas Vinterberg, la historia de dos hermanos a los que separaron siendo bien pequeños por culpa de una tragedia que dividió a toda la familia y que hoy viven marcados por la infancia oscura que tuvieron: la vida de Nick gira en torno al alcohol y está plagada de violencia y su hermano pequeño, un padre soltero, se esfuerza todo lo posible para proporcionarle a su hijo una vida mejor. Los caminos de ambos se cruzarán y la confrontación será inevitable pero, ¿será posible la salvación?

El Círculo de Jena

La época romántica se inicia en Alemania con el Romanticismo Universal. “Esta forma de romanticismo floreció primero, y de un modo muy especial, en la ciudad de Jena alrededor del año 1800.” (J. Gaarder: El mundo de Sofía, p.427). En 1790 el joven poeta Friedrich von Hardenberg (Novalis) inicia los estudios en Jena, acude a las lecturas de Schiller y traza amistad con él. Los dos poetas mantienen conversaciones largas e intensas en la universidad. En 1795 Novalis y Friedrich Hölderlin asisten a las clases de filosofía de Fichte. Un año después, en 1796, el teórico literario, filósofo y poeta August Wilhelm Schlegel se traslada a Jena para trabajar junto a Schiller en el periódico literario Horen. Jena se convertirá en el centro del primer movimiento romántico. Se forma alrededor de August Wilhelm Schlegel y su hermano Friedrich Schlegel un círculo de amigos al que pertenecían Novalis, J.G. Fichte, F.W.J. Schelling, Ludwig Tieck, Clemens Brentano, Johann Wilhelm Ritter y el científico noruego Henrik Steffens. En el círculo del Romanticismo, mujeres como Dorothea Veit, Sophie Mereau y Caroline Schlegel son muy importantes y sobre todo tienen igualdad. Junto con la casa de los hermanos Schlegel, donde existe casi una comuna de románticos, el círculo tiene otros lugares importantes de reunión para los debates (por ejemplo las casas de Fichte y de Schiller); a partir de 1798 los hermanos Schlegel publican Athenäum, el periódico líder del Romanticismo alemán (dónde Novalis publica por primera vez Himnos a la noche).

Programa 52

En el programa 52 de Viaje al fin de la noche podrás encontrar los siguientes contenidos:
- León Tolstoi: ascetismo doctrinario y futilidad de un genio.
- Novalis: "Himnos a la noche".
- Historia del Cine: principios del siglo XX.
- Estrenos cinematográficos: Woody Allen y Margarethe von Trotta.
- "Así habló Zarathustra".
- Música: "Below the Radar, Vol.4", Drexciya, Akira Rabelais y John Coltrane.

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Historia del Cine

Con las innovaciones que hemos descrito en capítulos anteriores de nuestra historia del cine, el cine teatral va dando paso al cine de acción, y las escenas que semejan un retablo comenzaron a estar pasadas de moda.

Esta evolución conduce a directores como David Wark Griffith y continuaría en todo el cine narrativo realizado hasta hoy. La continuidad temporal lograda por medio del montaje condujo a la realización de películas cada vez más largas. El primer largometraje propiamente dicho fue “La verdadera historia de la banda de Kelly”, realizada curiosamente en Australia por el director John Tait, en 1906.

Un año más tarde, se introdujo una nueva innovación. El film “El caballo desbocado”, de Charles Pathé, tomó buena nota del montaje alternante de “La vida de un bombero americano”, de Edwin Porter, y lo llevó aún más allá. En este nuevo film, un caballo inquieto fuera de una casa, comienza a destrozar todo lo que hay a su alrededor, mientras que dentro de la casa, su dueño pasa el tiempo sin darse cuenta de lo que sucede fuera. Paté entremezcló las escenas del exterior y del interior como Porter había hecho anteriormente, pero en vez de utilizar el montaje continuo de este último, realizó un montaje paralelo, que será el origen de la forma de expresar el mientras tanto en el cine, la forma en que los realizadores cinematográficos contrastan diferentes sucesos que ocurren al mismo tiempo, acrecentando la tensión o haciendo avanzar dos historias de modo concurrente.

Esta técnica fue utilizada brillantemente por Alfred Hitchcock en su película “Extraños en un tren”, de 1951, mediante la intercalación de un personaje jugando tranquilamente al tenis con otro que trata de incriminarle colocando pruebas falsas en la escena de un asesinato. Igualmente, la famosa película “El silencio de los corderos”, de 1990, jugó con las convenciones del montaje paralelo sugiriendo una congruencia del argumento que estaba en contradicción con la narración.

El año 1908 vio aún más aportaciones al repertorio de trucos del cine. Las sombras comenzaron a utilizarse en la iluminación de las películas para dar más profundidad a la imagen cinematográfica.
En la película norteamericana “Un niño yídish”, un hombre envuelto en una pelea callejera recuerda un suceso que tuvo lugar 25 años antes. Esta aparición de la memoria es el primer flashback documentado por los historiadores del cine.
En el mismo año, André Calmettes y Charles le Bargy dirigieron “El asesinato del duque de Guise”, para la compañía francesa Film d’Art. Aunque no era la primera compañía cinematográfica que se dedicaba a adaptar novelas y obras de teatro para la pantalla, su cine dirigido conscientemente a una audiencia culta, que estaba más habituada a asistir al teatro, estaba mejor comercializado y tenía más éxito que el de las otras compañías.
Las llamadas películas de patrimonio cultural realizadas por Merchant Ivory en Gran Bretaña durante las décadas de 1980 y 1990 son las herederas del film “El asesinato del duque de Guise”, frecuentemente derivadas de la literatura y haciendo énfasis en la dicción, el diseño de los escenarios y los matices verbales.

Drexciya: "Neptune's Lair"

Reedición de una de las obras maestras del electro.

León Tolstoi

"El Padre Sergio" es una pequeña obra escrita por León Tolstói en 1890 y publicada por primera vez en 1898.

La historia comienza con la infancia y la idealizada juventud del príncipe Stepan Kasatsky. Al parecer, el joven Kasatsky está predestinado a ser un gran hombre. El príncipe descubre en la víspera de su boda la relación extramatrimonial de su mujer, la condesa Mary Korotkova con el Zar Nicolás I. Esto daña enormemente su orgullo, y se refugiará en la Iglesia Ortodoxa rusa al convertirse en monje. En estos años, Kasatsky vivirá en la humildad y, sobre todo, en la duda. A pesar de convertirse en ermitaño por órdenes del alto clero, la gente todavía le recuerda por su pasada fama y el cambio drástico que tomó el curso de su vida.

"Hadjí Murat" es su última gran novela corta. No llegó a publicarse completa hasta 1917, después de la muerte de Tolstoi.

Su protagonista es un comandante caucásico rebelde que, debido a una venganza personal, se alía con el ejército ruso que antes había combatido ferozmente.

Akira Rabelais: "Caduceus" (Samadhisound, 2010)

"Caduceus" es el nuevo disco de Akira Rabelais, editado por Samadhisound, el sello de David Sylvian, quien describe el último trabajo del músico de Texas como “cáusticamente romántico”. Ahí es nada.

"Caduceus" es una serie de composiciones de guitarra procesadas con un software diseñado por el mismo Rabelais (el Argeïphontes Lyre, utilizado por artistas como Stephen Mathieu, Kim Cascone, Scanner o Terre Thaemlitz), que durante aproximadamente una hora explora los límites del sonido (también del ruido, aunque me queda la duda de si al final no es lo mismo...) con una brutalidad impresionante, imponente, pero que consigue también momentos de quietud y belleza inesperados.

Woody Allen: "Conocerás al hombre de tus sueños"

Su recepción por parte de la crítica en nuestro país ha dado lugar a opiniones encontradas. Por ejemplo, Luis Martínez, del diario El Mundo, afirma que "se trata de una comedia triste. En todos los sentidos de la palabra. Sin alma, sin una historia que contar, sin aliento. (...) Allen se limita a dejar que los personajes circulen por sus obsesiones".
Del mismo parecer es Carlos Marañón, de Cinemanía, que avisa de que "en este film conocerás a Woody Allen, pero no al Woody Allen auténtico. (...) Un filme hecho con molde de fábrica para ser reconocible, pero vaciado de toda enjundia. (...) en definitiva, un sucedáneo".
Por el contrario, Carlos Boyero y Jordi Costa, del diario El País, coinciden en su valoración positiva de la película. El primero de ellos la califica como "otro recital de inteligencia y lucidez (...), una muestra de la comprensión de todos los anhelos, miedos, miserias, engaños y grandezas de la condición humana".
Por su parte, Jordi Costa apunta que "el viejo Allen vuelve a ser sorprendentemente joven, una obra que parece no ahondar en nada mientras lo dice todo sobre la inmadurez (...) una comedia aparentemente ligera que golpea en lo profundo".

Margarethe Von Trotta: "Visión"

Programa 51

En el siguiente enlace, puedes descargar el programa de radio nº 51:
http://www.megaupload.com/?d=BKB3VB75
Contenidos:
- Cine: "Mi refugio" de François Ozon y "Mis tardes con Margueritte" de Jean Becker.
- Historia de la literatura griega: Homero.
- Prehistoria de la Península Ibérica: los hombres del Paleolítico Medio.
- Música del Siglo XX: la herencia musical del siglo XIX.
- "Paideia" de Werner Jaeger.
- Música: John Coltrane, The Books, Tim Hecker, DJ Nate, Michael Pisaro, Richard Strauss, Emeralds y The Misionaries.

Emeralds: "Does It Look Like I'm Here?"

Richard Strauss: "Till Eulenspiegels Lüstige Streiche"

Dirigido por Sergiu Celibidache:

Michael Pisaro: "Transparent City"

DJ Nate

The Books: "The Way Out"

El Pop es un género tan amplio que permite a los grupos jugar con él eliminando cualquier límite previo que se quiera imaginar. The Books proponen en su cuarto álbum, The Way Out (2010, Temporary Residence) un trabajo que se establece en el Pop para evitar cualquier idea de canción fácil de guitarras y voces con estribillos pegadizos. Ellos prefieren la electrónica.
De esta manera, el dúo neoyorkino compuesto por Nick Zammuto y Paul de Jong siguen afrontando de manera calmada una escuela que en algunos momentos llegan a recordar a The Avalanches, por su pasión por los samples, y a Prefuse 73 o a DJ Shadow, por su manera de deconstruir el Hip-Hop, del cual también hay algo en este cóctel sonoro que llega a ser adictivo.

http://www.hipersonica.com/criticas/the-books-the-way-out-cuando-la-musica-electronica-gana-la-partida-al-folk

Jean Becker: "Mis Tardes con Margueritte"

François Ozon: "Mi Refugio"

100 Mejores Discos de Jazz

CLIFFORD BROWN & MAX ROACH: "AT BASIN STREET"
(EMARCY, 1956)


Álbum grabado por el trompetista Clifford Brown y el batería Max Roach en 1956 para el sello Emarcy.
Junto a ellos, participaron también en estas sesiones Sonny Rollins al saxo tenor, Richie Powell al piano y George Morrow al contrabajo.
Una grabación histórica de resultados sobresalientes por parte de una formación legendaria.

Xavier Villaurrutia

Poeta mexicano nacido en Ciudad de México en 1903. Desde sus estudios de preparatoria inició amistad con Salvador Novo y Torres Bodet, con quienes más tarde reunió una pléyade de intelectuales del siglo XX mexicano, conformando la Generación de los poetas Contemporáneos.Aunque inició estudios de Derecho , pronto los abandonó para dedicarse enteramente a las letras. Fue becado por la Fundación Rockefeller para estudiar teatro en la Universidad de Yale. En 1928, fundó el Teatro de Ulises, foro de teatro experimental, en donde inició una larga labor como dramaturgo.Murió en 1950, y pocos años después los escritores mexicanos instituyeron un Premio Nacional para honrar al mejor libro publicado durante el año editorial.

Décimas de nuestro amor

A mí mismo me prohibo

revelar nuestro secreto

decir tu nombre completo

o escribirlo cuando escribo.

Prisionero de ti, vivo

buscándote en la sombría

caverna de mi agonía.

Y cuando a solas te invoco,

en la oscura piedra toco

tu impasible compañía.

Greie Gut Fraktion: "Baustelle" (Monika Enterprise, 2010)

Ambas mujeres fuertes de la escena electrónica berlinesa, Antye Greie (más conocida como AGF o como mitad junto a Sasu Ripatti de AGF/Delay, también por su participación en proyectos a medio camino entre el pop experimental, el ambient y la electrónica glitcheante como The Dolls o The Lappetites) y Gudrun Gut (miembro fundador de Einstürzende Neubauten y Malaria!, artista electrónica y directora del sello Monika Enterprise, entre otras cosas) han decidido unir fuerzas para crear su particular híbrido entre pop tangente y electrónica experimental bajo la capa de Greie Gut Fraktion. Desde finales de la semana pasada está en la calle “Stadt Mixe”, un primer single en el que nos encontramos con relecturas a cargo de Greie Gut Fraktion (en el player de abajo), Alva Noto y Wolfgang Voigt de todo un clásico de la Neue Deutsche Welle, el “Wir bauen eine neue Stadt” de Palais Schaumberg. Esa versión sirve de toma de contacto con “Baustelle”, un primer largo en clave de “post-kraut-dub-industrial-techno”.

Raymond Dijkstra: "L'Opus L'H" (Dekorder, 2010)

Radical Dutch DIY artist/musician Raymond Dijkstra presents an album of personal sonic dramas for Dekorder. With countless self-released CD and vinyls he constructed a fascinating sonic universe for himself. This will be his most widely available release for some time, consisting of two extended improvisational enigmas using harmonium, scraping metal and glass, tuba, and strings to make an odd racket. He employs methods similar to "Automatic Writing" or "Surrealist Automatism" to channel his ideas via the instruments, resulting in an unpredictable, tranced-out and emotionally charged compositions liable to veer in whatever direction his digits desire. He chooses these methods partly in response to the perceived dryness and restrictions of so many other experimental musicians who, he feels, don't explore fully the potential of their chosen subject. With this in mind Dijkstra is free to grapple with his instruments and sensitively smudge them with effects until it all coalesces and it sounds like we're hearing the birth noises of a mythical, mechanical forest creature dreamt up by Pierre Schaeffer and Ted Hughes.

Devo: "Something for Everybody"

Sinceramente, no creo que el mundo necesite un nuevo disco de Devo. Esta muy bien que quieran justificar una gira de reunión con nuevos temas, pero al igual que paso con el Funplex de The B-52′s, lo único que hacen estos discos, es marchitar una buena discográfica.
El noveno disco de los chicos del gorro, no es ni bueno, ni malo, básicamente es indiferente. No deja de ser un disco entretenido, como todos los de Devo, pero su mezcla de New Wave y Post Punk ya no sorprende a nadie. Tiene temas como Fresh, Cameo o Please Baby Please, que destacan un poco más que el resto, y puede que incluso funcionen en directo junto a sus clásicos, pero poco más.