Programa Nº 60

Contenidos del programa:
- Los 100 mejores discos de Jazz: "Fontainebleu" de Tadd Dameron.
- Poesía: "Nocturno de la alcoba" de Xavier Villaurrutia.
- La historia de la música en el cine indio.
- Andrea Belfi/David Grubbs/Stefano Pilia: "Onrushing Cloud"
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Los 100 Mejores Discos de Jazz

TADD DAMERON: "FONTAINEBLEU"

(PRESTIGE, 1956)

El propio Tadd Dameron es el compositor de todos los temas y está acompañado en estas sesiones de grabación, realizadas en Nueva York, por Kenny Dorham a la trompeta, Sahib Sihab al saxo alto, Joe Alexander al saxo tenor, Cecil Payne al saxo barítono, Henry Coker al trombón, John Simmons al contrabajo y Shadow Wilson a la batería, con Tadd Dameron, por supuesto, al piano.
El primero de los temas de este disco es precisamente el que le da nombre, “Fontainebleu”, una pequeña suite en tres partes, totalmente escrita y de carácter impresionista, inspirada en la devoción que Dameron sentía hacia Maurice Ravel y Duke Ellington. La música describe el palacio, el bosque y los cisnes de Fontainebleu.

Andrea Belfi / David Grubbs / Stefano Pilia: "Onrushing Cloud"

The History of Indian Film Music

El sello discográfico Saregama ha editado una caja con 10 CDs, que resume la historia de la música para películas en la India, una extraordinaria enciclopedia sonora que recorre sucesivas generaciones de músicos entregados a una extravagante y pantagruélica creatividad e inventiva.
En los primeros tiempos del cine indio, los músicos se colocaban a veces en las ramas de los árboles para no ser vistos por la cámara. Cuando los actores que estaban al pie del árbol comenzaban a cantar, los intérpretes les acompañaban con la tabla y el harmonio. Progresivamente, la tecnología fue avanzando y los actores movían sus labios delante de la cámara, añadiéndose posteriormente las voces por parte de cantantes profesionales, grabados en el estudio frente a una orquesta que podía llegar a estar compuesto por 150 músicos. Nacía así el playback, que haría estrellas inmensamente populares de la canción a vocalistas como Lata Mangeskhar y Asha Bhosle.
Esta pesada caja de 10 CDs y un libro de 130 páginas es un excelente recorrido por la historia de las canciones cinematográficas de la India desde 1930 hasta el presente. Es también quizás el primer intento para realizar un estudio exhaustivo de este ingente material, estando dirigido fundamentalmente al público indio, familiarizado con los éxitos de compositores como RD Burman, el dúo Laxmikant-Pyarelal y AR Rhaman, con los que han crecido.

Los discos de esta caja están organizados por décadas, dos para cada una de las décadas doradas de los 50, 60 y 70, mientras que las décadas siguientes, cuyo valor musical es más dudoso, sólo se merecen un disco cada una.
En los años 50, las multicolores películas de la India comenzaban a rodar a toda máquina, y algunos de los cortes musicales pertenecientes a esta década son difíciles de batir en cuanto a inventiva y brillantez. Si tomamos, por ejemplo, el tema “Bholi Surat Dil Ke Khote”, un dueto entre Lata Mangeshkar y Chitalkar grabado en 1951, el repiqueteo de los tambores y la chispa de las flautas son barridos por una sección de cuerda, salpicada con una figura de trompeta. Y esto sólo en la introducción, antes de que los tambores comiencen a pavonearse, marcando un paso de vals, y Lata eleve su esplendorosa voz.

RD Burman compuso la música de siete películas de éxito solamente en 1972. Los compositores, actores, cantantes y directores de cine competían, se enfadaban, criticaban y robaban el trabajo unos de otros. La extravagancia, avaricia y pompa de Bollywood se encuentran en su apogeo y se podía encontrar a una docena de los mejores compositores musicales de la India cómodamente sentados en sus salas de estar, completando las canciones de otros, pero respetando siempre su estilo.

Sin embargo, el material más impactante es el contenido en el primer disco, dedicado a las décadas de los 30 y 40, cuando los actores cantaban sus propias canciones. KL Saigal era un actor masculino autodidacta y cargado de alcohol, con una voz seria y muy grave. Ashok Kumar comenzó como asistente de laboratorio, pero saltó a la pantalla cuando el actor protagonista de una de las películas se puso enfermo, iniciando así una carrera como actor y cantante que duraría cincuenta años.
Por su parte, Pankaj Mullick fue uno de los compositores teatrales bengalíes que introdujeron instrumentos occidentales como el violín, el violonchelo, el piano y las mandolinas en sus bandas sonoras. Su composición “Piya Milan Ko Jana”, de 1931, provoca un efecto inquietante al rebotar las líneas de clarinete y sitar alrededor de un conjunto musical basado en el piano, un extraño sonido para un mundo incipiente.

Programa Nº 59

Contenidos de este programa:
- Filosofía: Anaximandro y el significado de ápeiron.
- Poesía: "Nocturno amor" de Xavier Villaurrutia.
- Estrenos de cine: "Pan negro" de Agustí Villaronga y "Louise-Michel" de Kervern/Delépine.
- Música: Baths y Joshua Abrams.
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Gustave de Kervern y Benoît Delépine: "Louise-Michel"

Una fábrica en algún lugar de la Picardie francesa. Unos meses después de una reducción de plantilla, las trabajadoras están alerta, pero reciben un regalo de empresa que las tranquiliza. A la mañana siguiente, descubren que todo ha sido desmantelado durante la noche y que la dirección es cómplice ...

Agustí Villaronga: "Pa Negre (Pan Negro)"

En los crudos años de la posguerra rural en Cataluña, Andreu, un niño que pertenece al bando de los perdedores, encuentra un día en el bosque los cadáveres de un hombre y su hijo. Las autoridades quieren cargar el muerto a su padre, pero él, para ayudarle, intenta averiguar quien los mató. En ese recorrido, se produce en Andreu el despertar de una conciencia moral frente a un mundo de adultos alimentado por las mentiras.

"El poderío visual y la expresividad de Villaronga hacen creíble, desgarrada y lírica esa brutalidad ambiental (...) Es una película dura y compleja, realista y perturbadora. Deja poso." (Carlos Boyero: Diario El País)
"La primera escena (...) resulta sencillamente genial. Brutal. (...) Su poca habilidad de narrador resta eficacia e impacto a la indudable y turbia imaginación visual del cineasta. (Luis Martínez: Diario El Mundo)
"Villaronga se atreve con secuencias arriesgadas desde todos los puntos de vista (...) le impone un ritmo y un tono absolutamente clásico y a la vez moderno (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

Baths: "Cerulean"

Debut album from Los Angeles-based beatmaker Will Wiesenfeld, who was introduced to Anticon by instrumental hip-hop dandy Daedelus.

Joshua Abrams: "Natural Information"

Natural information, Abrams' 1st record for eremite is another fascinating entry in a solo discography of recordings that gather aesthetic input from all over the map into vivid personal statements. at the heart of natural information is the guimbri, a three-stringed animal hide bass traditionally used by the gnawa of north africa in healing ceremonies. combining solo, trio & quartet formats with adroit use of sampling techniques abrams creates intricate psychedelic environments that join the hypnotic, trance-like character of gnawa guimbri music to more contemporary musics & methodologies.

Anaximandro: el significado de Ápeiron

Ápeiron como contenido del arjé
(D-K 12 A 9) Simplicio, Fís. 24, 13-25: Entre los que dicen que es uno, en movimiento e infinito, Anaximandro de Mileto, hijo de Praxíades, que fue sucesor y discípulo de Tales, dijo que el principio y elemento de todas las cosas existentes era lo ápeiron [indefinido o infinito], y fue el primero que introdujo este nombre de «principio». Afirma que éste no es agua ni ningún otro de los denominados elementos, sino alguna otra naturaleza ápeiron, a partir de la cual se generan todos los cielos y los mundos que hay en ellos. Ahora bien, a partir de donde hay generación para las cosas, hacia allí también se produce la destrucción, «según la necesidad; en efecto, se pagan mutuamente culpa y retribución por su injusticia, de acuerdo con la disposición del tiempo», hablando así de estas cosas en términos más bien poéticos.
(D-K 12 A 10) Ps. Plutarco, Strom., 2: Anaximandro, compañero de Tales, dice que lo ápeiron es la causa entera de la generación y destrucción de todo.
(D-K 12 A 11) Hipólito, Ref., I 6, 2: Anaximandro... éste dijo que el principio y elemento de las cosas es lo ápeiron, siendo el primero que utilizó este nombre de principio.
(12 A 14) Aecio, I, 3, 3: Anaximandro... dijo que el principio de las cosas es lo ápeiron, pues a partir de él se generan todas las cosas y en él todas perecen.
Ápeiron como mezcla y como elemento intermedio
(D-K 12 A 16) Arist., Fís. I 4, 187a: Algunos piensan que de lo uno se separan los opuestos, como dicen Anaximandro y cuantos afirman que existe lo uno y lo múltiple, como Empédocles y Anaxágoras: pues ellos separan también las demás cosas a partir de la mezcla <>).
Arist., De gen. y corr. II 1, 328b, 34-35: Algunos dicen que la materia sustrato de estos [cuerpos sensibles] es una, pensando que es aire o fuego o algo intermedio (metaxù) entre éstos.
Arist., De gen. y corr. II 5, 332a, 19-25: No es de uno solo de estos [cuatro elementos] de donde proceden todas las cosas, ni tampoco de algo aparte de éstos, tal como algo intermedio (méson) entre aire y agua o entre aire y fuego, más denso que el aire y el fuego, y más sutil que los otros..., de donde se sigue que no es posible que [lo intermedio] se reduzca jamás a uno sólo, tal como algunos dicen de lo ápeiron y de lo abarcante.
El gónimos y la generación de los contrarios
(D-K 12 A 10) Ps. Plutarco, Strom, 2: Dice también que, en la generación de este cosmos, el germen (tò gónimon) de lo caliente y lo frío fue segregado de lo eterno, y que de ello surgió una esfera de llamas en torno al aire que circunda a la tierra, como una corteza en torno al árbol; al romperse [la esfera] y quedar encerradas [sus llamas] en algunos círculos, se formaron el sol, la luna y los astros.
(D-K 12 A 9) Simplicio, Fís. 24, 23-25: [Anaximandro] no deriva la generación de la alteración del elemento, sino de la separación de los contrarios por obra del movimiento eterno. Por eso Aristóteles lo conecta con los discípulos de Anaxágoras.
Simplicio, Fís. 150, 20-25: No explica las generaciones por alteración del sustrato, sino por separación, pues los contrarios están contenidos en el sustrato, que es un cuerpo ápeiron, y se separan, según dice Anaximandro, el primero que llamó principio al sustrato. Los contrarios son: lo caliente, lo frío, lo seco, lo húmedo, y otros.
Ápeiron como diferente de los cuatro elementos
D-K 12 A 16) Arist., Fís. G 5, 204b: Hay algunos, en efecto, que suponen que esto [lo que existe fuera de los elementos] es ápeiron, y no aire o agua, de modo que los demás elementos no sean destruidos por ser ápeiron uno de ellos, ya que los elementos son contrarios entre sí: como por ejemplo, el aire es frío, el agua húmeda, el fuego caliente; y si uno fuera ápeiron, los otros serían destruidos. Por eso dicen que aquello de lo que proceden éstos es distinto.
Simpl., Fís. 479-480: Y que ninguno de los elementos puede ser ápeiron es evidente también porque Anaximandro, deseando que el elemento fuera ápeiron, no propuso que fuera aire, fuego o alguno de los cuatro elementos; porque al comportarse éstos contrariamente entre sí, si alguno de ellos fuera ápeiron, sus contrarios serían destruidos por él.

Programa Nº 58

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Contenidos:
- Historia del cine: "El asesinato del duque de Guise".
- Xavier Villaurrutia: "Estancias nocturnas".
- El romanticismo alemán: el Círculo de Heidelberg.
- Entrevista a Salvador Dalí (4ª parte).
- Voces contra la globalización (5ª parte).
- William Cliff: "El pan cotidiano".

Historia del Cine

Las implicaciones sociales de películas como “El asesinato del duque de Guise”, de 1908, y del film de una hora de duración “Los amores”, dirigido por Henri Desfontaines y Luis Mercanton en Francia en 1919, que presentaba a la estrella del teatro Sarah Bernhardt y que fue importada en los Estados Unidos por Adolph Zukor, fueron considerables. El cine había abierto sus puertas a nuevas audiencias de buena posición social y económica, que demandaban películas más sofisticadas y refinadas que las que se podían ver en los nickelodeons, los pequeños teatros de variedades, las ferias ambulantes y las trastiendas, que habían sido hasta entonces los lugares de exhibición del cine.
Este nuevo público quería ver además asuntos de más enjundia, y el cine se los daría. En el transcurso de una generación, se construirían lujosas salas de cine donde la gente corriente se podía sentir como la realeza por una noche y donde el cine se convirtió en un medio de contemplación a la vez que una sensación.
La película “El asesinato del duque de Guise” puede parecer estática en la actualidad, pero en su tiempo, su fotografía y puesta en escena abrieron nuevos horizontes. La cámara está situada a la altura de la cintura, en una época en que la norma universalmente aceptada era que estuviese a la altura del hombro. En algunas escenas se puede ver a algunos actores de espaldas a la cámara o de perfil, esto era también totalmente nuevo. La mayoría de las películas hasta entonces habían sido frontales y la acción transcurría de cara al espectador.
Las implicaciones de este “mirar hacia dentro” fueron amplias. Si los espectadores quisieran ver el rostro de los actores que se encontraban de espaldas, la cámara tendría que haberse situada en el medio de la escena y haberse girado hacia el espectador y esos actores. Tendrían que pasar otros cuatro años hasta que esta técnica, el rodaje en ángulo inverso, empezara a ser utilizada.

Entrevista a Salvador Dalí por Soler Serrano (4)

Voces Contra la Globalización (5)

William Cliff: "El pan cotidiano" (Editorial Pre-Textos)

Publicado originalmente en 2006, El pan cotidiano , de William Cliff, ahora publicado en España por la editorial Pre-Textos, en su colección La Cruz del Sur, es un único poema compuesto por 140 dizains, es decir, por 140 estrofas de diez versos decasílabos rimados siguiendo siempre la misma estructura. La cotidianidad presente en su título se materializa en el lugar y la fecha de escritura de casi todos los poemas, consignados al final de los mismos. En ocasiones el autor añade a estos datos de lugar y tiempo una breve explicación de la ocasión o la anécdota que generan el poema. El primero de los textos está fechado en febrero de 2002 y el último en julio de 2005, lo que cubre más de tres años de escritura. Asistimos a un viaje por la intimidad de su autor: cada poema o fragmento del único gran poema da cuenta de un instante de vida, de un pensamiento ocasional, de una impresión, de una sensación, de un recuerdo, de una imagen, de una ensoñación, de un momento vivido en el presente o en el pasado (poca diferencia hay, pues el presente se vive con la distancia del pasado y el pasado se incorpora a la presencia del presente). No parece haber un orden preconcebido en la estructura del libro, sino que la sucesión de los fragmentos se ofrece tal y como el azar de la vida nos ha ido entregando las vivencias. El libro (o el poema) será el reflejo de la vida, casi tan verdadero como la vida misma, o al menos en absoluto engañoso. Si lo real está destinado a querer decirnos algo, lo dirá por sí solo. Como ha dicho Cliff en algún lugar, para justificar la escasez de metáforas en sus poemas: «Es lo real mismo lo que debe volverse metafórico».