Viaje al fin de la noche

Historia del Cine

2011-05-03T14:08:00.005+02:00

Mientras los cineastas comenzaban a aprender sobre la profundidad del plano y la narrativa a principios del siglo XX, se estaba cocinando una lucha sin cuartel en torno a los derechos legales del invento. La guerra de las patentes comenzó cuando Edison comprendió que la propiedad de los derechos de este medio emergente era vital. Como él no había inventado la película cinematográfica, obra de Eastman, patentó los agujeros del carrete que permitían que la película permaneciera anclada a la cámara. Cualquiera que utilizara estos agujeros, algo imprescindible para todo el que quisiera rodar, tenía que pagar a Edison.

Sin embargo, algunos productores cinematográficos en la costa este de los Estados Unidos se enfurecieron con esto y se negaron a pagar. Esto obligó a Edison a aliarse con un viejo enemigo, la compañía American Mutoscope and Bioscope, para así tener más f

uerza en la reclamación de sus derechos. El resultado fue la agresiva Motion Picture Patents Company, un grupo muy anglosajón cuya intención era mantener a productores judíos independientes como Carl Laemmle, fuera del cada vez más lucrativo negocio del cine. De hecho, la formación de esta compañía, conocida también como The Trust, dio fin a la guerra de las patentes, pero no terminó con las disputas entre los competidores.

En 1910, Laemmle desafió al Trust y llevó el asunto a los tribunales, prendiendo así la llama de un segundo episodio de batallas legales que se conocería como la guerra del Trust. En 1912 se aprobó un decreto que negaba las pretensiones de la gran compañía de tener la propiedad sobre los agujeros del carrete cinematográfico. Pero la guerra del Trust no concluiría h

asta 1918, después de una batalla legal que duró seis años, cuando los tribunales declararon que Motion Picture Patents Company era un trust ilegal, pero antes de que esto sucediera, el contraataque de esta compañía había dado lugar a una serie de consecuencias históricas.

En su afán por escapar de la persecución de la compañía por usar la cinta fílmica con agujeros, las productoras independientes se alejaron lo máximo posible de la costa este, estableciéndose en una por entonces tranquila y pequeña ciudad del sur de California llamada Los Angeles, donde los bajos impuestos y los animados teatros la hacían más atractiva que otros posibles destinos en principio más atrayentes. El actual Hollywood crecería a partir de estos pioneros. El propio Carl Laemmle abrió los estudios Universal en 1915 y veinte años más tarde los vendería por 5 millones de dólares.

Durante la conocida como guerra del Trust, la Motion Picture Patents Company intentó darse relieve como marca luciendo en sus películas el eslogan “Ven y ve una película de la Motion Picture Company”. Sus competidores comprendieron que tendrían que hacer algo similar que los distinguiese, pero cambiando de estrategia. En lugar de darse bombo a sí mismos como empresas, decidieron poner el énfasis en sus actores. Anteriormente, los actores y actrices raramente habían sido identificados por sus nombres y el público no obtenía ninguna información sobre ellos.

En 1910, durante el periodo más encarnizado de su lucha contra el Trust, Laemmle anunció en la prensa que la Independent Motion Picture Girl of America o chica IMP, la anónima actriz que había protagonizado muchas de sus películas, había muerto. Sin embargo, cuando la propia actriz apareció milagrosamente en público para refutar este hecho, Laemmle comunicó a los periódicos que la multitud se puso tan histérica que llegaron a rasgarle la ropa a la sorprendida protagonista del incidente. Esto también era mentira, pero el consecuente furor despertado en el público hizo que su nombre, Florence Lawrence, se quedara grabado en la conciencia de los espectadores. Esta actriz se convirtió así en una enorme estrella de la pantalla, ganando ochenta mil dólares en 1912. Pero dos años más tarde, sufrió un serio accidente y su carrera declinó rápidamente. En la década de los 30, ya se veía obligada a trabajar como extra y en 1938, a los 52 años, se suicidó ingiriendo veneno para hormigas.

El star system había nacido en toda su extravagante y chabacana gloria y mientras hoy en día nos podemos sorprender y sentir vengüenza ajena por los excesos a los que ha llegado el culto a las estrellas del cine, cuya popularidad es inmensa, muy por encima de la de los directores y de los auténticos grandes creadores del cine, el cinismo de los primeros productores fabricantes de estrellas puede hacer que contengamos el aliento.

Theodosia Goodman era esforzada actriz de teatro itinerante de provincias, a la que Hollywood rebautizó como Theda Bara, un anagrama de la expresión en inglés “arab death”, muerte árabe. Había nacido en Cincinnati, pero al público se le dijo que nació bajo la sombra de la Esfinge de Egipto. Lucía maquillaje de color añil y daba entrevistas mientras acariciaba a una serpiente.

La creciente máquina publicitaria, repleta de tales estereotipos raciales, sexuales y clasistas, ha permanecido como pieza central de la desbordante imaginación exótica y erótica de Hollywood. La obsesión del público con los actores se disparó por las nubes. Al mismo tiempo que se producía el fenómeno de Florence Lawrence en Estados Unidos, apareció en Francia Mistinguett, pero fue la actriz danesa Asta Nielsen quien alcanzó el mayor grado de popularidad internacional, pues era tan popular en Rusia y Alemania como en Dinamarca.

Cuando la actriz Mary Pickford y su marido Douglas Fairbanks visitaron Moscú, 300 mil personas se agolparon para verlos, repitiéndose el baño de multitudes en otras ciudades europeas como París. Pickford se convirtió en la mujer mejor pagada del mundo, ganando 350 mil dólares en un solo año. Un joven inglés afincado en Hollywood, de nombre Charles Chaplin, se convertiría un poco después en el hombre mejor pagado, engrosando 520 mil dólares más extras en 1916.

Altar Eagle: "Mechanical Gardens"

2011-05-03T14:05:00.003+02:00

Sabíamos que tramaban algo muy bueno y más largo cuando Brad Rose y Eden Hemming, Altar Eagle desde 2008 (y no Eagle Altar, también ellos, pero de teoría y práctica improvisadora), nos presentaban Judo Songs(Digitalis Ltd) hace un año y seguían este pasado abril con Vintage Cats (Digitalis Ltd). El que es uno de los matrimonios más hiperactivos del indie minúsculo entregaban así dos casetes de edición limitada y se ganaban nuestra devoción sita en el origen de un deleite ambiental que nos balanceaba entre el synth-drone y la distorsión saturada, el dreampop y el noise polvoriento, el shoegaze (shoewave, si se nos permite), la psicodelia de filtro indietrónico – pero evolucionado- y una herrumbrosa producción lo-fi. Cinco temas bañados en metal al óxido, en la primera referencia y cuatro, amarilleados de azufre, en la segunda; con los que no podían sino anticipar un debut en largo, por lo menos, significativo. Y significativo es, y lo es sin duda alguna, el primer larga duración de esta pareja de Tulsa: Mechanical Gardens (Type, 2010). Un lugar donde resarcirse en el recreo generoso de una plácida, pero intensa creatividad compositivo-melódico-musical y donde dejarse embriagar por la estética (re)sonante conseguida.

The North Sea: "Bloodlines"

2011-05-03T14:03:00.003+02:00

Brad Rose is an artist who is notoriously hard to pigeonhole. He might spend his days running the esteemed Digitalis imprint (sidelining the wonderful Foxy Digitalis webzine) but his nights are wiled away chiselling at the petrified corpse of experimental music. Donating sounds to Ajilvsga, Altar Eagle, Sea Zombies and Ossining (among many, many others) he has somehow found time to fashion a new solo work for Type and it could hardly be further removed from his last outing.

‘Bloodlines’ is an album rooted in synthesis – the kind of busted power electronics that emerged in the early 80s with Ramleh, Throbbing Gristle and Whitehouse. This is not however simply a noise album – Brad has anchored his sound in this explorative mode, but uses his expertise to take it far beyond murk, grit and fractured teeth. With the help of Zelienople drummer Mike Weis (who accompanies the entire record on percussion) the record is a gloriously spacious excursion, with the fizzing Radiophonic blips, drones and tones set against gongs, scrapes and clanks. The sounds are dark and often punishing – torturous and occasionally frightening, but Brad somehow manages to offset it with an occasional flourish of beauty or calm.

Hisato Higuchi: "Henzai"

2011-05-03T14:01:00.002+02:00

For Henzai, Hisato Higuchi’s fourth album, the Japanese guitarist and vocalist leans a little further yet out of the spotlight. Even on his first EP, She, he was never one for demonstrative behavior, but Henzai’s improvisations and compositions often feel like they’re disappearing before your ears, beauty in search of a reflective surface it can hide behind. Tellingly, the difference between the five improvisations and seven compositions on Henzai often seems to be little more than a third chord, or three or four extra notes struck on the guitar — in Higuchi’s world, such shifts are seismic.

Programa Nº 66

2011-04-06T14:14:00.002+02:00

Contenidos:

- La cuestión del poblamiento de América: algunas hipótesis disparatadas.

- Poesía: "Tinta china" de Xavier Villaurrutia.

- Entrevista a Camilo José Cela, por Soler Serrano (1ª y 2ª partes).

- El Foro romano: el templo de Saturno.

- Música del siglo XX: Gustav Mahler.

- Música: Mark McGuire, Ninja Tune, Momus, New York Art Quartet y Pascal Nichols.

Enlace de descarga:

http://www.megaupload.com/?d=IV9NLSUO

Ninja Tune XX

2011-04-06T13:57:00.002+02:00

El sello Ninja Tune celebra su vigésimo aniversario con esta caja, que contiene cerca de 100 temas.

Roma: El Templo de Saturno

2011-04-06T13:43:00.002+02:00

El Templo de Saturno (en latín Templum Saturni o Aedes Saturnus) es un monumento dedicado a la deidad agrícola Saturno que se erige en el extremo occidental del Foro Romano en Roma. Representa los cimientos más antiguos conservados en la zona, construido entre 501 y 498 a. C. Algunas fuentes lo atribuyen al rey Lucio Tarquinio el Soberbio y otras a Lucio Furio, si bien esta última dedicación podría corresponder a una reconstrucción hecha tras el incendio por parte de los galos (principios del siglo IV a. C.).

También era llamado Aerarium (‘erario’) porque en él se guardaba el tesoro nacional romano. El templo marca el comienzo del Clivus Capitolinus, el antiguo camino que llevaba a la cima del monte Capitolino.

Las actuales ruinas corresponden a la tercera edificación del Templo de Saturno, que reemplaza a la segunda, destruida en el incendio del año 283.

Según las fuentes, la estatua del dios en su interior, cubierta y provista de una guadaña, era de madera y se rellenaba de aceite. Las piernas se cubrían con tallos de lino que sólo se retiraban el 17 de diciembre, día de la Saturnalia.

Aunque dedicado al dios Saturno, el principal uso del templo era servir de sede al tesoro del Imperio Romano (aerarium), almacenando las reservas de oro y plata. También albergaba los archivos estatales, las insignias y la escala oficial para el peso de metales. Más tarde el aerarium fue trasladado a un edificio frente a él, mientras los archivos se mudaron al cercano Tabularium. El podio del templo, recubierto de travertino, se usó como soporte para carteles.

El derrumbe gradual no ha dejado más que los restos del pórtico frontal en pie, pero las ocho columnas supervivientes y el frontón parcialmente intacto (con la inscripción Senatus Populusque Romanus incendio consumptum restituit, ‘El Senado y el Pueblo de Roma restauró lo que el fuego había consumido’) representan una de las imágenes icónicas de la herencia arquitectónica de la antigua Roma.

Entrevista a Camilo José Cela por Soler Serrano

2011-04-06T13:42:00.000+02:00

New York Art Quartet: "Old Stuff"

2011-04-06T12:12:00.002+02:00

Despite their involvement in the seminal 1964 October Revolution in Jazz concert series and a few high profile gigs in Europe the following year, the short-lived New York Art Quartet remains under-sung but legendary, with only two official studio recordings to its name—the self-titled 1964 ESP debut and Mohawk (Fontana, 1965). For years the only other commercially available document of the group was an unauthorized release of live radio broadcasts made in Hilversum, Netherlands in 1965, issued as Roswell Rudd by the America label. Featuring the same touring line-up as the Hilversum session, Old Stuff helps reinforce the quartet's place in history as a cutting-edge ensemble. Culled from two live radio broadcasts made the same year as the Hilversum date, this collection presents the quartet in front of an enthusiastic audience, capturing their freewheeling interplay with more presence and sonic clarity than the America recording.

Momus: "Hypnoprism"

2011-04-06T12:06:00.002+02:00

The current album from Momus is Hypnoprism, released in late 2010 by labels American Patchwork and Analogue Baroque.

"Hypnoprism is not filled with sexual controversy," said PopMatters, "but well-crafted eclecticism where nothing seems out of place... These days, we need more artists taking chances, and Currie comes off here as the king of taking chances, in a nice, intriguingly creative package." Mojo magazine called it "oddly bloodless electropop with hints of low-budget bossa nova. But Currie's lyrics lift the proceedings onto a different level as he examines human flaws, foibles and mortality." "Typically it's the waspishly whispered words that entertain, rather than the occasionally desultory music," said the reviewer at UnCut, adding: "Nick Currie's musical career now looks like a long detour on his way to his destiny as discreetly subversive international Man Of Letters." And Mark Fisher in The Wire said: "It's a 21st century lounge music, which draws all manner of material into its studied insouciance: 1980s electronica (Sylvian & Sakamoto's 1982 masterpiece "Bamboo Music" is referenced on "Bubble Music"); post-punk (the album includes a cover of Josef K's "Adoration"); "Everything Stops For Tea"-style pre-war skit-pop (as used on "Is There Sex In Marriage?"). The highlight is "Datapanik", a sardonically tender meditation on how a computer crash now means the loss of irretrievable memory objects."

Mark McGuire: "Living with Yourself"

2011-04-06T12:02:00.002+02:00

Alongside his pals in Emeralds, guitarist Mark McGuire makes unhinged music-- a swirling drone that oscillates wildly back and forth and seems to spin off in every direction at once. The focus of his latest solo effort is narrower. Without the synths and electronic elements that intensify Emeralds' swelling noise, Living With Yourself is primarily a guitar record, looser and more accessible than we're used to from McGuire. It also has a clear narrative and conceptual theme: This is an album about youth and memory, family and nostalgia-- it's a deeply personal, even autobiographical work.

El poblamiento de América

2011-04-06T09:05:00.004+02:00

Poblamiento De América

1. Alex Hrdlicka fue el autor de la teoria asiática y sostenía que el ser humano había ingresado a América por Alaska proveniente de Siberia (Asia), cruzando el Estrecho de Bering. La teoría está desarrollada en La cuestión de hombre antiguo en América (The Question of Ancient Man in America) publicada en 1937.

Se basó en que los rasgos del aborigen americano eran similares a los del hombre asiático. Hrdlicka comparó las características morfológicas de los indígenas norteamericanos, sobre todo los alutiiq, y los mongoles modernos y concluyó que aquellos descendían de estos y que por lo tanto debían haber llegado a América, cruzando el Estrecho de Bering, en un pasado no muy remoto.

En estas investigaciones Hrdlička desenterró sin permiso miles de cadáveres en Larsen Bay, una aldea alutiiq, que generó una grave protesta de la comunidad. En 1991 el Instituto Smithsoniano devolvió a la comunidad alutiiq los cadáveres ilegalmente exhumados por Hrdlicka.

[1]Algunas publicaciones le atribuyen erróneamente a Hrdlicka haber postulado la teoría más moderna, de que el hombre cruzó caminando por una zona llamada Puente de Beringia, formado a raíz del descenso del nivel de las aguas del Estrecho de Bering, durante el último período glacial.

Si bien Hrdlicka nunca se pronunció expresamente sobre la fecha de llegada del hombre al continente americano, rechazó sistemáticamente las pruebas que proponían la existencia de paleoindios y sostenía que, a diferencia de Europa, no existían rastros en América que permitieran hablar de presencia humana durante el Pleistoceno (1,8 millones de años adP - 10.000 años ac.), en tiempos de la última glaciación.

2. Otra de las teorías clásicas es la de Paul Rivet, para quien la población indígena americana es el resultado de cierto número de migraciones, unas por el estrecho de Bering y otras a través del Océano Pacífico.

Programa Nº 65

2011-03-30T12:46:00.002+02:00

Contenidos: - Novedades poéticas: Fernando Pineda, John Ashbery y Dionisio Cañas. - Filosofía: la cosmogonía de Anaximandro de Mileto. - Estrenos cinematográficos: "Todas las canciones hablan de mí" de Jonás Trueba. - Música: Catherine Christer Hennix, Ernst Karel, Philip Jeck, Michael Hurley, Ahmad Jahmal y Tanzprocesz. Enlace de descarga: http://www.megaupload.com/?d=OPFXY7FF

Catherine Christer Hennix: "The Electric Harpsichord"

2011-03-30T12:18:00.001+02:00

Catherine Christer Hennix fue discípula de Lamonte Young y Pandit Pran Nath en los años 70. Aunque su música es prácticamente desconocida, incluso dentro de la comunidad de la música experimental, aquellos que han llegado a conocer su obra la sitúan entre la élite del minimalismo norteamericano del siglo XX. Su composición, “The electric harpsichord”, es reverenciada en el más alto grado por los degustadores de la vanguardia, como por ejemplo, Glenn Branca, que la describe como una pura y perfecta pieza de música, un trabajo de poder trascendente.

Jonás Trueba: "Todas las canciones hablan de mí"

2011-03-30T12:16:00.001+02:00

Ernst Karel: "Heard Laboratories"

2011-03-30T12:12:00.002+02:00

Heard Laboratories is a sonic ethnography of scientific research environments at Harvard University, made using Schoeps cardioid mics in ORTF stereo configuration and a Sound Devices audio recorder. The sounds of equipment, devices, and activities draw attention to the physical processes underlying scientific research, the work underway which provides a ground for our highly technologized society. In the name of human progress, enormous resources are devoted to and consumed by such activities, which are both hidden and taken for granted. Heard Laboratories brings this background to the fore.

Heard Laboratories is a largely abstract soundscape, consisting of edited sequences of unprocessed location recordings. The liner notes list edit points, along with descriptions of the research each laboratory is engaged in, so that the listener may follow along and know what kind of laboratory they are hearing at any given moment. The work does not take a position with respect to what is documented, and neither endorses nor criticizes the research programs of the laboratories which granted access.

Philip Jeck: "An Ark for the Listener"

2011-03-30T12:09:00.002+02:00

Philip Jeck es un compositor y coreógrafo inglés, caracterizado por su ánimo experimental, que ha mostrado con generosidad a lo largo de su carrera, con predilección con la manipulación de fuentes sonoras previas y en empleo de vinilos, con unas técnicas y pretensiones muy distintas a las de los turntabilistas de la cultura Hip Hop. Su más reciente disco es "An ark for the listener", publicado por el sello londinense Touch. Para la realización de este disco ha trabajado con tocadiscos, vinilos de desecho, pedales de guitarra y una mezcladora. Con esos elementos el artista construye fluídos sonoros que generan aftmósferas e incluyen porciones melódicas, en una clara apuesta por las texturas frente a la música de corazón tonal.

Michael Hurley: "Blue Hills"

2011-03-30T12:02:00.002+02:00

A singer/songwriter in the subversive Greenwich Village folk scene of the late '60s and '70s, with several songs lent to the Holy Modal Rounders, Michael Hurley maintained an infrequent solo career into the '90s but was more famed for his writing credits.

The Hurley machine keeps heaving forward – stepping out here in a set of contemporary recordings, but with sounds that are as timeless as anything else we've heard from him before! The album begins with a haunting number that features just vocals and electric piano – but played in ways that are almost like hammered dulcimer – and two more cuts feature wonderfully spooky pump organ, pulsating in ways that make the music sound even moodier than ever. Other tracks feature acoustic guitar, but still mighty nice, with all the Hurley charm in the vocals.

La Cosmogonía de Anaximandro de Mileto

2011-03-10T14:01:00.003+01:00

El razonamiento lógico y el físico aparecen ya en el primer pensamiento cosmológico griego conocido, el de Anaximandro en el siglo VI a. C.
Su teoría sostenía que las estrellas constituían porciones de aire comprimido y que el Sol tenía la forma de una rueda de carro, veintiocho veces el tamaño de la Tierra. El borde de esta rueda solar contenía fuego, el que escapaba a través de un orificio. Cuando el orificio se obstruía, se producía un eclipse. La Luna era un círculo diecinueve veces el tamaño de la Tierra, y también tenía la forma de una rueda de carro. El universo de Anaximandro contenía una substancia infinita y eterna. Los planetas y los mundos se formaban al separarse de esta substancia; luego perecían y ésta los volvía a absorber. Nuestro propio mundo debe su origen a que un movimiento de remolino hizo que los materiales pesados se hundieran hacia el centro, formando el disco aplanado que es la Tierra, mientras que masas de fuego rodeadas de aire fueron lanzadas hacia el perímetro, dando vida así al Sol y las estrellas. A pesar de que mundos individuales iban y venían, el cosmos como un todo era eterno, sin comienzo ni fin. Era infinito en el tiempo. Era infinito en el espacio.

Ahmad Jamal: "Chamber Music of the New Jazz" (Verve, 1955)

2011-03-10T13:58:00.002+01:00

Verve should be endlessly praised for reissuing superb albums like Ahmad Jamal's CHAMBER MUSIC OF THE NEW JAZZ on CD, bringing them back into commercial circulation so that jazz fans old and new can experience (or re-experience) their splendor. While the set list of 1955's CHAMBER MUSIC may appear standard, with treatments of "It Ain't Necessarily So" and "A Foggy Day" (Jamal's fine original "New Rumba" is the exception), there is nothing "standard" about this excellent session, in conception, sound, or execution.Both "chamber music" and "the new jazz" are appropriate appellations. The simultaneously stark/lush trio format--which features Jamal's piano in deep conversation with Israel Crosby's bass and Ray Crawford's guitar--gives the music a cerebral, floating feel. (Oddly enough, the drummerless background actually highlights the rhythmic intensity of each musician's playing--especially Crawford's pizzicato guitar work). The music also differentiates itself from the hard bop of the time in managing to merge advanced, complex playing with an exquisite sensitivity to dynamics and delicacy of mood. On each of these nine compositions, the musicians play with understated intensity, often using space as a rhythmic element (as on the interlude to "Darn That Dream").

Tanzprocesz

2011-03-10T13:51:00.001+01:00

http://tanzprocesz.free.fr/

Dionisio Cañas: "Lugar, Antología y Nuevos Poemas" (Editorial Hiperión)

2011-03-10T13:47:00.003+01:00

La poesía de Dionisio Cañas (Tomelloso, 1949), que vivió en Francia nueve años y en Nueva York treinta y tres, está marcada por los lugares de su vida, siempre entre el aquí y el allí, entre Nueva York y La Mancha, lo rural y lo urbano; «en Manhattan amé a un vagabundo. En Tomelloso una idea platónica me hizo beber vino hasta el amanecer». Sus libros se han expresado siempre desde una geografía emocional donde su poética adquiere múltiples significados y metáforas locales.
En Lugar, Antología poética y nuevos poemas, se resume el universo creativo y existencial del poeta, desde el año 1977 hasta el 2010. Muy presente ya en su anterior libro, Y empezó a no hablar (Almud Ediciones, 2008), del que recupera muchos poemas en lo que denomina «Ladrón de palabras», primero de los tres bloques en los que se divide la antología. La segunda sección lleva por título «Nuevos poemas», en la que jugando con las palabras se entremezclan temas como la muerte y el placer, cierta tranquilidad apocalíptica, constante dualidad presente en la poética de Cañas. La tercera parte del libro «A quien pueda interesar 1977-1990» recoge los orígenes y primeros temas de su lenguaje poético con algunos de sus primeros versos.

http://www.dionisioc.com/

John Ashbery: "El Juramento de la Pista de Frontón" (Editorial Calambur)

2011-03-10T13:44:00.002+01:00

La editorial Calambur lanza estos días el libro más vanguardista y arriesgado de John Ashbery: El Juramento de la pista de frontón. Equivalente poético a Las señoritas de Avignon en pintura o la Fontaine de Duchamp en escultura, el poemario fue recibido por la crítica con la misma incomprensión y perplejidad que estas obras. Hoy en día, se trata de un texto de culto y es imposible entender las vanguardias poéticas de la segunda mitad del siglo XX sin esta pieza angular.
En El Juramento de la pista de frontón (traducción e introducción de Julio Mas Alcaraz), Ashbery desarrolla un nuevo lenguaje y un estilo fundacional de toda su producción futura e incluso de una nueva corriente poética (LANGUAGE). Jamás el neoyorquino ha vuelto a ir tan lejos en su experimentación y jamás un libro suyo ha sido tan controvertido e influyente a la vez. Es así una prueba del virtuosismo técnico aplicado a la poesía postmoderna y, por muy alejados que sitúe los elementos, por muy fragmentado que a veces sea su tono, por poco convencional que sea la forma en que se ordena el lenguaje, el poema termina mostrando una unicidad inexplicable, misteriosa y maravillosa, plenamente lírica.

Fernando Pineda: "Los Argonautas" (Editorial Pre-Textos)

2011-03-10T13:41:00.002+01:00

Este libro es una desavenencia con la charlatanería de la sociedad occidental. Se habla en exceso y no se comprende (o no se quiere comprender) que el silencio es valioso en sí mismo y, en innumerables ocasiones, mejor que el parloteo superfluo.En la búsqueda siempre difícil de fuentes se ha dado por casualidad y sin proponerse con los tres determinantes del rasgo –piedra, madera, colores- que enunció Heidegger, debiendo tenerse en cuenta que a dos –piedra y colores- les corresponde una determinada parte de la geografía peninsular –a la primera la pesadez del interior, el brillo de la costa a los segundos- y que el restante –la madera- coincide con la loa antedicha del silencio, por lo que más de un elemento vuelve a unir a Nietzsche y al anterior pensador.

Programa Nº 64

2011-02-17T14:09:00.002+01:00

Contenidos de este programa:
- Presentación del nuevo libro de David Monteagudo.
- Estrenos cinematográficos: "Biutiful" y "Neds".
- Novedades editoriales.
- Música: Mary Halvorson Quintet, Belbury Poly, DD Denham, Keith Fullerton Whitman y GOL & Charles Hayward.
Os lo podéis descargar en el siguiente enlace:
http://www.megaupload.com/?d=XRF5EA3B

David Monteagudo: "Marcos Montes"

2011-02-17T14:06:00.002+01:00

Nueva novela breve de David Monteagudo, escrita antes de su exitosa "Fin", pero publicada ahora para aprovechar el tirón editorial.

DD Denham: "Electronic Music in the Classroom"

2011-02-17T14:05:00.001+01:00

Novedades Editoriales

2011-02-17T14:01:00.004+01:00

La editorial Alba publica los diarios de Sofía Andréievna, esposa de León Tolstoi. En realidad se trata de una selección que recoge los episodios más relevantes de su vida conyugal hasta la muerte del escritor y el triunfo de la Revolución Soviética. Un punto de vista interesante, puesto que no compartió la filosofía vital de su marido y siempre se mostró recelosa de perder sus privilegios aristocráticos, algo que Tolstoi aborrecía.
Y la editorial Cátedra presenta entre sus novedades la narrativa completa de Leopoldo Alas Clarín, dividida en dos tomos, así como los “Caracteres” de Teofrasto y la obra teatral “El ladino cartaginés” de Plauto.
Tusquets publica “Las brujas de Eastwick” de John Updike, “El caso Moro” de Leonardo Sciascia y “Vueltas al tiempo” de Arthur Miller.
Y por último, entre las novedades de Alianza Editorial podemos encontrar “La historia de Lanzarote del Lago”, la novela artúrica más importante de cuantas se escribieron en la Edad Media, así como “Puntos en el tiempo”, un original viaje narrativo por Marruecos a lo largo de los siglos, escrito por Paul Bowles, y “Confesiones de una máscara” del japonés Yukio Mishima.

Belbury Poly: "Farmer's Angle"

2011-02-17T13:59:00.001+01:00

Alejandro González Iñárritu: "Biutiful"

2011-02-17T13:58:00.001+01:00

Por fin llega a las pantallas “Biutiful”, la última película de Alejandro González Iñárritu, por la que Javier Bardem obtuvo el premio a la mejor interpretación masculina en el último festival de Cannes. “Biutiful” retrata la historia de Uxbal en el corazón de una Barcelona invisible. Un retrato impresionista y conmovedor, de tono melancólico, sobre el amor, la paternidad y la culpa. Una película declarada y vorazmente fea. Un drama sin fisuras, en el que en ningún momento se plantea siquiera abrir una ventana para que entre el aire.

Peter Mullan: "Neds (No educados y delincuentes)"

2011-02-17T13:56:00.002+01:00

Esta película formó parte de la selección del último festival de San Sebastián, donde obtuvo el galardón al mejor actor, que fue a parar a manos del joven Conor McCarron. Esta película, dirigida por el británico Peter Mullan, se ambienta en la ciudad escocesa de Glasgow en el año 1973.
John McGill está a punto de empezar la secundaria. Es un chico inteligente, sensible, con ganas de aprender, pero vive en un ambiente poco propicio: su familia es muy pobre, y su padre, al que odia, es un borracho violento. Los profesores están en su contra desde el principio debido al historial delictivo de su hermano mayor, Benny. Los Neds, “No Educados y Delincuentes”, son chicos malos que van armados y consumen drogas baratas, glam rock, sexo, violencia y camaradería.
El gran problema de este film es que resulta difícil entender el brusco cambio que sufre su protagonista. (...) Toda la película respira una insana energía negativa, que se dispersa a lo largo de dos horas de metraje que resultan del todo excesivas, según el crítico Sergi Sánchez.

Keith Fullerton Whitman: "Disingenuity/Disingenousness"

2011-02-17T13:50:00.001+01:00

Nada representa mejor la total extrañeza de la música electrónica que el sintetizador analógico modular. Sin teclado ni monitor, únicamente hileras y más hileras de cables de entrada y salida, botones y luces parpadeantes. Intérpretes expertos e incluso sus propios creadores admiten no saber la extensión completa de las capacidades de su instrumento, mientras que una sus principales características es la imposibilidad de predecir cuál será el resultado de nuestras acciones al manipularlo, aunque éstas se repitan exactamente del mismo modo.
Así pues, cuarenta años después de su invención, no existe un lenguaje que describa adecuadamente los sonidos que puede generar este tipo de sintetizador, totalmente indomable e impredecible. Uno de los músicos que mayor esfuerzo ha dedicado en los últimos años al desarrollo y compresión de estos procesos sonoros es Keith Fullerton Whitman, más conocido anteriormente como Hrvatski. Su último álbum, titulado “Disingenuity / Disingenousness” y del que acabamos de escuchar un extracto, es un perfecto ejemplo de esta labor titánica y resultado de tres años de trabajo.

GOL & Charles Hayward

2011-02-17T13:49:00.001+01:00

El británico Charles Hayward, legendario batería del grupo This Heat, se alía con el conjunto francés de multiinstrumentistas GOL, formado por Jean-Marcel Busson, Fréderic Rebotier, Ravi Sharja y Samon Takahashi, en un disco solamente editado en vinilo por el sello italiano Planam.

Mary Halvorson Quintet: "Saturn Sings"

2011-02-17T13:47:00.002+01:00

Último álbum del quinteto de la guitarrista Mary Halvorson, titulado “Saturn Sings” y publicado por el sello Firehouse.

Programa Nº 63

2011-01-24T13:19:00.002+01:00

Enlace de descarga:
http://www.megaupload.com/?d=6SI6QP9U
Contenidos:
- Poesía: "Nocturno muerto" de Xavier Villaurrutia.
- Historia del cine: los inicios del cine japonés.
- Estrenos cinematográficos: Apichatpong Weerasethakul, Gerardo Olivares, Atom Egoyan y Lee Chang-Dong.
- MACBA: Paul Klee.
- Música: Ghédalia Tazartès, Arcade Fire, Bill Orcutt, Country Dick Montana, Olivia Block & Kyle Bruckmann, John Carter & Bobby Bradford, Cindytalk y Core of a Coalman.

Ghédalia Tazartès: "Ante-Mortem"

2011-01-24T13:17:00.002+01:00

"Ante-Mortem" is one of Ghédalia Tazartès’ major works of the last 20 years. Although simply named 1 to 23, the CD bears a collection of very diverse tracks, a couple of them connected in a thematical frame, others simply standing for themselves.

What holds them all together is first and all Tazartès’ archetypical voice. One could say that "Ante-Mortem" contains some of his harshest ever tracks as well as a couple of his most humorous ones. Anything by Ghédalia Tazartès comes highly recommended, an artist with a truly unique and genuine musical vision.

Historia del Cine

2011-01-24T13:14:00.002+01:00

Las primeras películas de cine proyectadas en Japón fueron, como en muchos otros países, las de los hermanos Lumiére de 1897. Pero rápidamente se comenzaron a rodar películas hechas en Japón siguiendo los modelos occidentales y en 1908 ya existían cuatro compañías de producción haciendo sus propias películas. Algo más tarde nació la compañía Shochiku, que sigue siendo aún en la actualidad la más famosa y exitosa de Japón. Pero su más importante peculiaridad es que Shochiku ya producía obras de teatro antes de dedicarse al cine, lo que marca una de las grandes diferencias del nacimiento del cine japonés respecto al occidental.
El hecho de que el cine japonés creciera a partir del teatro es profundamente importante. La mayoría de las películas hechas en ese país en los primeros tiempos del cine eran versiones filmadas de los dos estilos dominantes del teatro popular: el kabuki y el shimpa.
La cámara grababa frontalmente toda la escena. Los actores vestían trajes tradicionales y llevaban el maquillaje típico de este teatro, y solamente había intérpretes masculinos, que representaban los papeles tanto de hombres como de mujeres. Los actores no se tocaban durante las escenas de lucha y el movimiento se congelaba periódicamente para enfatizar ciertos momentos. Cuando los personajes morían, hacían una voltereta hacia atrás. Y de forma aún más significativa, normalmente un narrador o benshi estaba colocado detrás de un atril, a un lado de la pantalla de cine, para explicar la trama, hacer comentarios acerca de los personajes y añadir en algunas ocasiones efectos de sonido. En definitiva, se seguían todas las convenciones del teatro tradicional japonés.

Estos narradores o benshi habían comenzado a tener su influencia en la forma de producir las películas en torno a 1908, reclamando escenas más largas para que les diese tiempo a describir y explicar la acción. Algunos benshi se hicieron famosos y comenzaron a tener sus propios seguidores. Continuarían dominando la exhibición de películas japonesas hasta finales de la década de 1930, y su presencia significaba que los actores de las películas no tenían que simular que hablaban, como ocurría en las películas mudas de los países occidentales, puesto que ése el trabajo del benshi.
Las historias narradas por éste se apartaban en ocasiones de lo que se mostraba en pantalla y no seguían estrictamente el ritmo de las imágenes, siendo éste un rasgo que desvela un aspecto netamente diferenciado de la cultura japonesa respecto al mundo occidental. Esta separación de palabras e imágenes se puede apreciar ya en los antiguos rollos de pergamino japoneses, antecedentes del cómic, en los que entre las complejas ilustraciones se intercalaba una historia escrita, sin que se intentara integrar las dos partes.
Así era también con el cine. Mientras que Edwin S. Porter, la película sobre el asesinato del duque de Guise y otros directores occidentales estaban empezando a contar historias desde dentro de la propia película, los directores japoneses no. Las imágenes del primer cine japonés son extraordinariamente similares a las del teatro. Decir que hasta finales de los años 30, la mayoría de las películas japonesas necesitaban un narrador para poder ser entendidas no significa que fueran realizadas de un modo incompetente, sino que procedían de una tradición cultural y visual en la que el espacio jugaba un importante papel.
Los escenarios teatrales de kabuki de la época solían tener un telón de fondo plano, pintado con exquisitos paisajes, pero estos decorados no intentaban crear una falsa ilusión de perspectiva o profundidad, sino que enfatizaban el espacio plano y la superficie del papel.
Aunque los espectadores y directores japoneses veían películas occidentales y les gustaban, no sentían la misma necesidad de colocar visualmente al público en el centro de la escena, como harían los directores occidentales entre 1908 y 1918. No fue hasta la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial que el modelo cinematográfico occidental se impuso en el cine japonés.

Apichatpong Weerasethakul: "El Tío Boonmee Recuerda Sus Vidas Pasadas"

2011-01-24T13:09:00.002+01:00

Llega a nuestras pantallas la película ganadora en el último festival de Cannes: “El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas”, del director tailandés Apichatpong Weerasethakul. De repente, el cine se exhibe como un ejercicio radical en el que, literalmente, se inventa una forma de comprender el mundo, cualquiera de ellos".

"No es cine, es un animal que sangra", según las palabras del crítico Luis Martínez, aunque no todos están de acuerdo con él, que ya se sabe que en nuestro país, la falta de criterio entre la crítica cinematográfica, como en cualquier otro campo, es una tónica general.
En cualquier caso, para Nando Salvá, de El Periódico, "se trata de una obra maestra (...) una película en la que sumergirse, una meditación de increíble ternura sobre nuestro lugar en este mundo, en el otro, y en las diversas áreas que hay en medio (...)".

Gerardo Olivares: "Entrelobos"

2011-01-24T13:07:00.001+01:00

Basada en la vida real de Marcos Rodríguez Pantoja, un hombre que de niño fue vendido por su padre a un pastor, con el que aprendió a cuidar cabras, a cazar, a buscar comida y a hacer fuego. Pero cuando el pastor un día desapareció, el joven Marcos se quedó solo, y comenzó a convivir con los lobos que descubrió en una cueva.

Atom Egoyan: "Chloe"

2011-01-24T13:05:00.001+01:00

La nueva película del canadiense de origen armenio Atom Egoyan se llama “Chloe”, un remake que mejora al original y por fin un filme de mujeres en inglés que supera a los franceses en el género que mejor hacen. Si habías estado esperando desesperadamente una "Atracción fatal" lésbica que trata de ser al mismo tiempo ingeniosa y grosera, tu deseo ha sido concedido.
Sin embargo, el crítico Sergi Sánchez afirma que "los dos primeros tercios de la película aspiran a ser un estudio del deseo femenino (...) la atmósfera funciona, y Egoyan se pone la gorra con visera de realizador eficaz. Pero cuando la trama deriva hacia una versión penosa de 'Atracción fatal' la ilusión se desmonta y la película se hunde".

Lee Chang-Dong: "Poesía"

2011-01-24T13:03:00.001+01:00

En una pequeña ciudad de la provincia del Gyeonggi, dividida por el río Han, Mija vive con su nieto, que está en el colegio. Es una mujer excéntrica, llena de curiosidad, que disfruta cuidando su aspecto y exhibe sombreros con motivos florales y vestidos con vivos colores. El azar la lleva a asistir a cursos de poesía en la casa de la cultura de su barrio y, por primera vez en su vida, a escribir un poema. Busca la belleza en su entorno habitual, al que no había prestado ninguna atención especial hasta ese momento. Finalmente, tiene la impresión de descubrir cosas que siempre ha visto y eso le encanta. Sin embargo, se produce un suceso inesperado que le hace darse cuenta de que la vida no es tan hermosa como creía.

Paul Klee

2011-01-21T13:16:00.002+01:00

Pintor suizo, acuarelista y aguafuertista, considerado como uno de los representantes más originales del arte moderno. Siguiendo un estilo artístico específico, creó una serie de obras famosas por parecer imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación. Ciudadano alemán, Klee vivió la mayor parte de su vida en Suiza. Nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, el 18 de diciembre de 1879, pero en 1898 se trasladó a Munich donde estudió arte en una escuela privada y en la Academia de Bellas Artes de la ciudad. Sus primeros trabajos fueron estudios para paisajes realizados a lápiz que muestran la influencia del impresionismo. Hasta 1912, realizó incluso aguafuertes en blanco y negro, las insinuaciones de fantasía y sátira de estos trabajos muestran la influencia del expresionismo del siglo XX, así como de los maestros grabadores Francisco de Goya, y William Blake. Entre los años 1920 y 1931 Klee fue profesor en la Bauhaus, la escuela alemana de arte más vanguardista. Un viaje que realizó a África en 1914 le hizo descubrir definitivamente el color y marcó el comienzo de su estilo maduro, en el que llegó a declararse poseído por el color. Durante los siguientes 20 años, sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unas armonías cromáticas delicadas y de ensueño, que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos, como en Pastoral (1927, Museo de Arte Moderno de Nueva York). Klee fue también un maestro del dibujo y muchos de ellos son complicadas líneas con un contenido que deriva de una imaginería fantástica o ensoñada, describió la técnica de estos dibujos como sacar a pasear una línea. En Máquina temblorosa (1922, Museo de Arte Moderno de Nueva York), por ejemplo, con sus elementos fluidos, metálicos, como pájaros, creó una composición de formas lineales y circulares interconectadas, con un efecto evocador mucho más importante que lo que la propia obra significa. A partir de 1935, afectado por una enfermedad progresiva, la esclerodermia, Klee adoptó un estilo claro, sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados. Sus temas artísticos durante este periodo adoptaron un tono pesimista y dramático, como en La Muerte y el Fuego (1940, Kunstmuseum, Berna, Suiza). Klee murió en Muralto, Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940. Su obra influyó en los surrealistas posteriores, así como en los artistas no objetivos, y fue una fuente de inspiración fundamental para el nacimiento del expresionismo abstracto. © eMe

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=284

Country Dick Montana: "The Devil Lied to Me"

2011-01-21T13:14:00.001+01:00

The Devil Lied To Me, recorded shortly before his death, is a fiery collection of roots rock, balls-out country, and hilarious snippets from Country Dick's twisted subconscious. I laughed my headphones off during "Trendy Shitbag," stomped my feet tingly during his spirited cover of "Green Door," and wiped away a tear during the surprisingly tender "I Wanted You To Know." Everything you were curious to know about the man named Country Dick Montana is right here, with the musical support of friends like Mojo Nixon, Dave Alvin, Rosie Flores, and John Doe acting as the kind of hot-sauced eulogy the man would have loved.

Olivia Block & Kyle Bruckmann: "Teem"

2011-01-21T13:10:00.002+01:00

Bruckmann and Block’s creative relationship dates back to the recording of Block’s 1999 release Pure Gaze, shortly after both artists entered into Chicago’s vibrant experimental music community. Their decision to create a collaborative duo ensued, but remained in the realm of good intentions until shortly before Bruckmann’s relocation to the San Francisco Bay Area. They then began playfully stockpiling sounds from a myriad of sources, collecting field material, and recording duo improvisations in various spaces using hallway intercom systems and unorthodox microphone placements, among other processes and techniques. This initial activity was followed by five years of collaborative editing, processing and mixing, resulting in the emergent expanse that is Teem.

John Carter & Bobby Bradford: "The Complete Revelation Sessions"

2011-01-21T13:08:00.002+01:00

El sello Mosaic ha publicado todas las sesiones grabadas en su día para el sello Revelation por dos de los mejores y más desconocidos intérpretes de free jazz posteriores a Ornette Coleman: John Carter y Bobby Bradford.

Cindytalk: "Up Here in the Clouds"

2011-01-21T13:06:00.001+01:00

Entre las novedades del sello Mego encontramos el último proyecto de Gordon Sharp, bajo el alias Cindytalk. Este disco lleva por título “Up here in the clouds”.

Core of a Coalman: "Box of the Last Help"

2011-01-21T13:04:00.001+01:00

“Box of the last help” es el último trabajo de Jorge Boehringer con el nombre Core of a Coalman, publicado en el sello Zum.

Programa Nº 62

2011-01-18T11:59:00.003+01:00

Contenidos de nuestro programa de radio nº 62:
- El romanticismo alemán: los hermanos Grimm.
- Anaximandro: la cosmogonía.
- Poesía: "Nocturno de la estatua" de Xavier Villaurrutia.
- Entrevista a Salvador Dalí, por Soler Serrano (7ª y 8ª partes).
- Historia de Roma: la Protohistoria.
- Música: Daniel Johnston, Plapla Pinky, Bill Orcutt, Marc Ribot y Luca Francesconi.
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Los Hermanos Grimm

2011-01-18T11:55:00.002+01:00

Los hermanos Grimm es el término utilizado para referirse a los escritores Jakob Grimm y Wilhelm Grimm. Fueron dos hermanos alemanes célebres por sus cuentos para niños y también por su Diccionario alemán, por sus Leyendas alemanas, la Gramática alemana, la Mitología alemana y Cuentos de Grimm, lo que les ha valido ser reconocidos como fundadores de la filología alemana.

La labor de los hermanos Grimm no se limitó a recopilar historias, sino que se extendió también a la docencia y la investigación del lenguaje. Sus estudios de la lengua alemana son pieza importante del posterior desarrollo del estudio lingüístico (como la Ley de Grimm), aunque sus teorías sobre el origen divino del lenguaje no son ampliamente respaldadas en la actualidad.
Además de sus cuentos de hadas, los Grimm también son conocidos por su obra Deutsches Wörterbuch, un diccionario en 33 tomos con etimologías y ejemplos de uso del léxico alemán, que no fue concluido hasta 1960.
También publicaron una selección comentada de romances españoles titulada Silva de romances viejos.

Daniel Johnston: "Yip/Jump Music"

2011-01-18T11:51:00.001+01:00

Originally released on home-made cassette in 1983, Yip/Jump Music is Johnston's defining set of tunes. With but battered chord-organ chords —Johnston wacks the keys so hard that the slapping goes beyond audible to becoming a form of percussion— and his breaking, squawking voice, Johnston knocks out an unending (23 songs long!) set of delirious, delusional pop-songs.

Bill Orcutt: "Way Down South"

2011-01-17T13:10:00.002+01:00

Solo un tipo como Bill Orcutt con una guitarra que dios sabe como se aguanta aun entera, es capaz de darse un paseo por el folk y el fingerpicking y convertirlo en la energía punk que era capaz de desplegar en Harry Pussy. Como se da un paseo y le pega un revolcón a más de uno en un universo del folk en el que nos fuimos adentrando la pasada década con hambre revisionista y que gracias a "A New Way To Pay Old Debts" y este "Way Down South" nos damos ahora cuenta que quizás había demasiado respeto y preciosismo en esos discos, pero que realmente poner a la guitarra contra la cuerdas solo lo ha conseguido este veterano y por descontado, un devorador de música. "Way Down South" es una bofetada de quince minutos en toda regla. Pero de las que están bien dadas, nunca se puede decir nada. Y aunque entiendo la comparación con Derek Bailey,hay que darle de comer a Orcutt en otro plato.

http://es.paperblog.com/bill-orcutt-way-down-south-2010palilalia-364800/

Entrevista a Salvador Dalí (8/8)

2011-01-17T13:08:00.000+01:00

Marc Ribot: "Silent Movies"

2011-01-17T13:06:00.002+01:00

Nuevo álbum de este genial guitarrista y solicitado músico de estudio.

Luca Francesconi

2011-01-17T13:04:00.000+01:00

Luca Francesconi (Milán, 1956) es un compositor, pedagogo y director de orquesta italiano.Francesconi estudió piano en el Conservatorio de Milán y amplió sus estudios de composición con Azio Corghi, Karlheinz Stockhausen y Luciano Berio. Su interés por las nuevas tecnologías aplicadas a la composición le llevó a fundar en Milán en 1990 un centro de estudio y producción musical llamado AGON acustica informatica musica. Su carrera como docente musical ha tenido una gran proyección internacional (conservatorios de Róterdam, Estrasburgo, IRCAM de París, CDMC de Madrid, etc) hasta culminar en Malmö, donde dirge el departamento de composición de la HochSchule. En 2008 fue nombrado director de área de música de la Bienal de Venecia. En esa edición, se entregó el León de Oro al compositor alemán Helmut Lachenmann y Francesconi propuso una programación en la que se mostraron obras que sirvieron de punto de inflexión en la carrera de grandes músicos del siglo XX.

Programa Nº 61

2011-01-13T10:43:00.003+01:00

Contenidos del programa:
- Entrevista a Salvador Dalí, por Soler Serrano (5ª y 6ª partes).
- Roma: el Foro.
- París: la Plaza de la Bastilla.
- Aguilar de Campóo.
- La estrategia de Simbad.
- Omar Souleyman: "Jazeera Nights".
Te lo puedes descargar en el siguiente enlace:
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Omar Souleyman: "Jazeera Nights"

2011-01-13T10:41:00.001+01:00

Auténtica leyenda del folk, Omar Souleyman tiene en su haber más de quinientos trabajos editados en cassette y distribuidos a lo largo y a lo ancho de Siria. Su música combina tradición con recursos propios del pop, dando vida a una mezcla de sonidos energética y con elementos únicos como teclados con reminiscencias árabes, percusiones mántricas, instrumentos de cuerda y un uso más que peculiar de las cuerdas vocales, llamado “dabke”.

La Estrategia de Simbad

2011-01-13T10:39:00.000+01:00

Programa Nº 60

2010-12-30T11:02:00.002+01:00

Contenidos del programa:
- Los 100 mejores discos de Jazz: "Fontainebleu" de Tadd Dameron.
- Poesía: "Nocturno de la alcoba" de Xavier Villaurrutia.
- La historia de la música en el cine indio.
- Andrea Belfi/David Grubbs/Stefano Pilia: "Onrushing Cloud"
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Los 100 Mejores Discos de Jazz

2010-12-30T11:01:00.002+01:00

TADD DAMERON: "FONTAINEBLEU"

(PRESTIGE, 1956)

El propio Tadd Dameron es el compositor de todos los temas y está acompañado en estas sesiones de grabación, realizadas en Nueva York, por Kenny Dorham a la trompeta, Sahib Sihab al saxo alto, Joe Alexander al saxo tenor, Cecil Payne al saxo barítono, Henry Coker al trombón, John Simmons al contrabajo y Shadow Wilson a la batería, con Tadd Dameron, por supuesto, al piano.
El primero de los temas de este disco es precisamente el que le da nombre, “Fontainebleu”, una pequeña suite en tres partes, totalmente escrita y de carácter impresionista, inspirada en la devoción que Dameron sentía hacia Maurice Ravel y Duke Ellington. La música describe el palacio, el bosque y los cisnes de Fontainebleu.

Andrea Belfi / David Grubbs / Stefano Pilia: "Onrushing Cloud"

2010-12-30T10:59:00.002+01:00

The History of Indian Film Music

2010-12-30T10:45:00.003+01:00

El sello discográfico Saregama ha editado una caja con 10 CDs, que resume la historia de la música para películas en la India, una extraordinaria enciclopedia sonora que recorre sucesivas generaciones de músicos entregados a una extravagante y pantagruélica creatividad e inventiva.
En los primeros tiempos del cine indio, los músicos se colocaban a veces en las ramas de los árboles para no ser vistos por la cámara. Cuando los actores que estaban al pie del árbol comenzaban a cantar, los intérpretes les acompañaban con la tabla y el harmonio. Progresivamente, la tecnología fue avanzando y los actores movían sus labios delante de la cámara, añadiéndose posteriormente las voces por parte de cantantes profesionales, grabados en el estudio frente a una orquesta que podía llegar a estar compuesto por 150 músicos. Nacía así el playback, que haría estrellas inmensamente populares de la canción a vocalistas como Lata Mangeskhar y Asha Bhosle.
Esta pesada caja de 10 CDs y un libro de 130 páginas es un excelente recorrido por la historia de las canciones cinematográficas de la India desde 1930 hasta el presente. Es también quizás el primer intento para realizar un estudio exhaustivo de este ingente material, estando dirigido fundamentalmente al público indio, familiarizado con los éxitos de compositores como RD Burman, el dúo Laxmikant-Pyarelal y AR Rhaman, con los que han crecido.

Los discos de esta caja están organizados por décadas, dos para cada una de las décadas doradas de los 50, 60 y 70, mientras que las décadas siguientes, cuyo valor musical es más dudoso, sólo se merecen un disco cada una.
En los años 50, las multicolores películas de la India comenzaban a rodar a toda máquina, y algunos de los cortes musicales pertenecientes a esta década son difíciles de batir en cuanto a inventiva y brillantez. Si tomamos, por ejemplo, el tema “Bholi Surat Dil Ke Khote”, un dueto entre Lata Mangeshkar y Chitalkar grabado en 1951, el repiqueteo de los tambores y la chispa de las flautas son barridos por una sección de cuerda, salpicada con una figura de trompeta. Y esto sólo en la introducción, antes de que los tambores comiencen a pavonearse, marcando un paso de vals, y Lata eleve su esplendorosa voz.

RD Burman compuso la música de siete películas de éxito solamente en 1972. Los compositores, actores, cantantes y directores de cine competían, se enfadaban, criticaban y robaban el trabajo unos de otros. La extravagancia, avaricia y pompa de Bollywood se encuentran en su apogeo y se podía encontrar a una docena de los mejores compositores musicales de la India cómodamente sentados en sus salas de estar, completando las canciones de otros, pero respetando siempre su estilo.

Sin embargo, el material más impactante es el contenido en el primer disco, dedicado a las décadas de los 30 y 40, cuando los actores cantaban sus propias canciones. KL Saigal era un actor masculino autodidacta y cargado de alcohol, con una voz seria y muy grave. Ashok Kumar comenzó como asistente de laboratorio, pero saltó a la pantalla cuando el actor protagonista de una de las películas se puso enfermo, iniciando así una carrera como actor y cantante que duraría cincuenta años.
Por su parte, Pankaj Mullick fue uno de los compositores teatrales bengalíes que introdujeron instrumentos occidentales como el violín, el violonchelo, el piano y las mandolinas en sus bandas sonoras. Su composición “Piya Milan Ko Jana”, de 1931, provoca un efecto inquietante al rebotar las líneas de clarinete y sitar alrededor de un conjunto musical basado en el piano, un extraño sonido para un mundo incipiente.

Programa Nº 59

2010-12-22T10:22:00.004+01:00

Contenidos de este programa:
- Filosofía: Anaximandro y el significado de ápeiron.
- Poesía: "Nocturno amor" de Xavier Villaurrutia.
- Estrenos de cine: "Pan negro" de Agustí Villaronga y "Louise-Michel" de Kervern/Delépine.
- Música: Baths y Joshua Abrams.
Descárgatelo en el siguiente enlace:
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Gustave de Kervern y Benoît Delépine: "Louise-Michel"

2010-12-22T10:18:00.001+01:00

Una fábrica en algún lugar de la Picardie francesa. Unos meses después de una reducción de plantilla, las trabajadoras están alerta, pero reciben un regalo de empresa que las tranquiliza. A la mañana siguiente, descubren que todo ha sido desmantelado durante la noche y que la dirección es cómplice ...

Agustí Villaronga: "Pa Negre (Pan Negro)"

2010-12-22T09:22:00.002+01:00

En los crudos años de la posguerra rural en Cataluña, Andreu, un niño que pertenece al bando de los perdedores, encuentra un día en el bosque los cadáveres de un hombre y su hijo. Las autoridades quieren cargar el muerto a su padre, pero él, para ayudarle, intenta averiguar quien los mató. En ese recorrido, se produce en Andreu el despertar de una conciencia moral frente a un mundo de adultos alimentado por las mentiras.

"El poderío visual y la expresividad de Villaronga hacen creíble, desgarrada y lírica esa brutalidad ambiental (...) Es una película dura y compleja, realista y perturbadora. Deja poso." (Carlos Boyero: Diario El País)
"La primera escena (...) resulta sencillamente genial. Brutal. (...) Su poca habilidad de narrador resta eficacia e impacto a la indudable y turbia imaginación visual del cineasta. (Luis Martínez: Diario El Mundo)
"Villaronga se atreve con secuencias arriesgadas desde todos los puntos de vista (...) le impone un ritmo y un tono absolutamente clásico y a la vez moderno (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

Baths: "Cerulean"

2010-12-22T09:19:00.002+01:00

Debut album from Los Angeles-based beatmaker Will Wiesenfeld, who was introduced to Anticon by instrumental hip-hop dandy Daedelus.

Joshua Abrams: "Natural Information"

2010-12-22T09:14:00.002+01:00

Natural information, Abrams' 1st record for eremite is another fascinating entry in a solo discography of recordings that gather aesthetic input from all over the map into vivid personal statements. at the heart of natural information is the guimbri, a three-stringed animal hide bass traditionally used by the gnawa of north africa in healing ceremonies. combining solo, trio & quartet formats with adroit use of sampling techniques abrams creates intricate psychedelic environments that join the hypnotic, trance-like character of gnawa guimbri music to more contemporary musics & methodologies.

Anaximandro: el significado de Ápeiron

2010-12-22T09:08:00.002+01:00

Ápeiron como contenido del arjé
(D-K 12 A 9) Simplicio, Fís. 24, 13-25: Entre los que dicen que es uno, en movimiento e infinito, Anaximandro de Mileto, hijo de Praxíades, que fue sucesor y discípulo de Tales, dijo que el principio y elemento de todas las cosas existentes era lo ápeiron [indefinido o infinito], y fue el primero que introdujo este nombre de «principio». Afirma que éste no es agua ni ningún otro de los denominados elementos, sino alguna otra naturaleza ápeiron, a partir de la cual se generan todos los cielos y los mundos que hay en ellos. Ahora bien, a partir de donde hay generación para las cosas, hacia allí también se produce la destrucción, «según la necesidad; en efecto, se pagan mutuamente culpa y retribución por su injusticia, de acuerdo con la disposición del tiempo», hablando así de estas cosas en términos más bien poéticos.
(D-K 12 A 10) Ps. Plutarco, Strom., 2: Anaximandro, compañero de Tales, dice que lo ápeiron es la causa entera de la generación y destrucción de todo.
(D-K 12 A 11) Hipólito, Ref., I 6, 2: Anaximandro... éste dijo que el principio y elemento de las cosas es lo ápeiron, siendo el primero que utilizó este nombre de principio.
(12 A 14) Aecio, I, 3, 3: Anaximandro... dijo que el principio de las cosas es lo ápeiron, pues a partir de él se generan todas las cosas y en él todas perecen.
Ápeiron como mezcla y como elemento intermedio
(D-K 12 A 16) Arist., Fís. I 4, 187a: Algunos piensan que de lo uno se separan los opuestos, como dicen Anaximandro y cuantos afirman que existe lo uno y lo múltiple, como Empédocles y Anaxágoras: pues ellos separan también las demás cosas a partir de la mezcla <>).
Arist., De gen. y corr. II 1, 328b, 34-35: Algunos dicen que la materia sustrato de estos [cuerpos sensibles] es una, pensando que es aire o fuego o algo intermedio (metaxù) entre éstos.
Arist., De gen. y corr. II 5, 332a, 19-25: No es de uno solo de estos [cuatro elementos] de donde proceden todas las cosas, ni tampoco de algo aparte de éstos, tal como algo intermedio (méson) entre aire y agua o entre aire y fuego, más denso que el aire y el fuego, y más sutil que los otros..., de donde se sigue que no es posible que [lo intermedio] se reduzca jamás a uno sólo, tal como algunos dicen de lo ápeiron y de lo abarcante.
El gónimos y la generación de los contrarios
(D-K 12 A 10) Ps. Plutarco, Strom, 2: Dice también que, en la generación de este cosmos, el germen (tò gónimon) de lo caliente y lo frío fue segregado de lo eterno, y que de ello surgió una esfera de llamas en torno al aire que circunda a la tierra, como una corteza en torno al árbol; al romperse [la esfera] y quedar encerradas [sus llamas] en algunos círculos, se formaron el sol, la luna y los astros.
(D-K 12 A 9) Simplicio, Fís. 24, 23-25: [Anaximandro] no deriva la generación de la alteración del elemento, sino de la separación de los contrarios por obra del movimiento eterno. Por eso Aristóteles lo conecta con los discípulos de Anaxágoras.
Simplicio, Fís. 150, 20-25: No explica las generaciones por alteración del sustrato, sino por separación, pues los contrarios están contenidos en el sustrato, que es un cuerpo ápeiron, y se separan, según dice Anaximandro, el primero que llamó principio al sustrato. Los contrarios son: lo caliente, lo frío, lo seco, lo húmedo, y otros.
Ápeiron como diferente de los cuatro elementos
D-K 12 A 16) Arist., Fís. G 5, 204b: Hay algunos, en efecto, que suponen que esto [lo que existe fuera de los elementos] es ápeiron, y no aire o agua, de modo que los demás elementos no sean destruidos por ser ápeiron uno de ellos, ya que los elementos son contrarios entre sí: como por ejemplo, el aire es frío, el agua húmeda, el fuego caliente; y si uno fuera ápeiron, los otros serían destruidos. Por eso dicen que aquello de lo que proceden éstos es distinto.
Simpl., Fís. 479-480: Y que ninguno de los elementos puede ser ápeiron es evidente también porque Anaximandro, deseando que el elemento fuera ápeiron, no propuso que fuera aire, fuego o alguno de los cuatro elementos; porque al comportarse éstos contrariamente entre sí, si alguno de ellos fuera ápeiron, sus contrarios serían destruidos por él.

Programa Nº 58

2010-12-16T13:04:00.002+01:00

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Contenidos:
- Historia del cine: "El asesinato del duque de Guise".
- Xavier Villaurrutia: "Estancias nocturnas".
- El romanticismo alemán: el Círculo de Heidelberg.
- Entrevista a Salvador Dalí (4ª parte).
- Voces contra la globalización (5ª parte).
- William Cliff: "El pan cotidiano".

Historia del Cine

2010-12-16T13:01:00.002+01:00

Las implicaciones sociales de películas como “El asesinato del duque de Guise”, de 1908, y del film de una hora de duración “Los amores”, dirigido por Henri Desfontaines y Luis Mercanton en Francia en 1919, que presentaba a la estrella del teatro Sarah Bernhardt y que fue importada en los Estados Unidos por Adolph Zukor, fueron considerables. El cine había abierto sus puertas a nuevas audiencias de buena posición social y económica, que demandaban películas más sofisticadas y refinadas que las que se podían ver en los nickelodeons, los pequeños teatros de variedades, las ferias ambulantes y las trastiendas, que habían sido hasta entonces los lugares de exhibición del cine.
Este nuevo público quería ver además asuntos de más enjundia, y el cine se los daría. En el transcurso de una generación, se construirían lujosas salas de cine donde la gente corriente se podía sentir como la realeza por una noche y donde el cine se convirtió en un medio de contemplación a la vez que una sensación.
La película “El asesinato del duque de Guise” puede parecer estática en la actualidad, pero en su tiempo, su fotografía y puesta en escena abrieron nuevos horizontes. La cámara está situada a la altura de la cintura, en una época en que la norma universalmente aceptada era que estuviese a la altura del hombro. En algunas escenas se puede ver a algunos actores de espaldas a la cámara o de perfil, esto era también totalmente nuevo. La mayoría de las películas hasta entonces habían sido frontales y la acción transcurría de cara al espectador.
Las implicaciones de este “mirar hacia dentro” fueron amplias. Si los espectadores quisieran ver el rostro de los actores que se encontraban de espaldas, la cámara tendría que haberse situada en el medio de la escena y haberse girado hacia el espectador y esos actores. Tendrían que pasar otros cuatro años hasta que esta técnica, el rodaje en ángulo inverso, empezara a ser utilizada.

Entrevista a Salvador Dalí por Soler Serrano (4)

2010-12-16T12:59:00.000+01:00

Voces Contra la Globalización (5)

2010-12-16T12:57:00.000+01:00

William Cliff: "El pan cotidiano" (Editorial Pre-Textos)

2010-12-16T12:52:00.003+01:00

Publicado originalmente en 2006, El pan cotidiano , de William Cliff, ahora publicado en España por la editorial Pre-Textos, en su colección La Cruz del Sur, es un único poema compuesto por 140 dizains, es decir, por 140 estrofas de diez versos decasílabos rimados siguiendo siempre la misma estructura. La cotidianidad presente en su título se materializa en el lugar y la fecha de escritura de casi todos los poemas, consignados al final de los mismos. En ocasiones el autor añade a estos datos de lugar y tiempo una breve explicación de la ocasión o la anécdota que generan el poema. El primero de los textos está fechado en febrero de 2002 y el último en julio de 2005, lo que cubre más de tres años de escritura. Asistimos a un viaje por la intimidad de su autor: cada poema o fragmento del único gran poema da cuenta de un instante de vida, de un pensamiento ocasional, de una impresión, de una sensación, de un recuerdo, de una imagen, de una ensoñación, de un momento vivido en el presente o en el pasado (poca diferencia hay, pues el presente se vive con la distancia del pasado y el pasado se incorpora a la presencia del presente). No parece haber un orden preconcebido en la estructura del libro, sino que la sucesión de los fragmentos se ofrece tal y como el azar de la vida nos ha ido entregando las vivencias. El libro (o el poema) será el reflejo de la vida, casi tan verdadero como la vida misma, o al menos en absoluto engañoso. Si lo real está destinado a querer decirnos algo, lo dirá por sí solo. Como ha dicho Cliff en algún lugar, para justificar la escasez de metáforas en sus poemas: «Es lo real mismo lo que debe volverse metafórico».

Programa Nº 57

2010-11-25T12:12:00.002+01:00

Contenidos del programa:
- Entrevista a Salvador Dalí (1ª parte).
- Novedades de la editorial Anagrama: Pierre Michon, Jean Echenoz y Patrick Modiano.
- Voces contra la globalización (3).
- Estrenos cinematográficos: Oliver Stone y Fernando León.
El enlace para descargarlo es el siguiente:
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Fernando León: "Amador"

2010-11-25T12:10:00.002+01:00

El director español Fernando León de Aranoa aborda el tema de la inmigración en “Amador”. Marcela es una mujer joven en apuros económicos que cuida durante el verano de Amador, un señor mayor postrado en cama, en ausencia de su familia. Los dos ocultan algo que nadie sabe de ellos. Dos desconocidos, Marcela y Amador no tardan en confiarse sus respectivos secretos. Un suceso inesperado dejará luego a la chica enfrentada a un difícil dilema moral. Pero Amador y Marcela han alcanzado ya, sin saberlo, un acuerdo. Al cumplirlo van a demostrar que la muerte no siempre es capaz de detener la vida.
Una película algo impostada, forzada y con una moraleja bastante obvia y manida, en la que Fernando León se esfuerza por sorprender con giros inesperados, pero no siempre lo consigue ni mueve a la reflexión, aparte del discurso trillado de siempre. Uno de sus escasos aspectos positivos, es su optimismo respecto a sus anteriores trabajos, si es que el optimismo es hoy en día algo positivo.

Oliver Stone: "Wall Street 2"

2010-11-25T12:06:00.003+01:00

La nueva película del director norteamericano Oliver Stone se titula “Wall street: el dinero nunca duerme”. Se trata de una secuela de la popular cinta de 1987 "Wall Street". Oliver Stone vuelve a dirigir a Michael Douglas como el implacable tiburón de las finanzas Gordon Gekko, papel con el que consiguió el Oscar al mejor actor. Ambientada 20 años después de la original y puesto en libertad después de cumplir una prolongada condena en prisión, Gekko se encuentra fuera de un mundo que en tiempos dominó. Buscando rehacer sus arruinadas relaciones con su hija, Gekko se alía con el novio de ésta, Jacob (Shia LaBeouf), quien comienza a ver en él la imagen de un padre. Pero Jacob aprende de forma amarga que el manipulador Gekko va detrás de algo muy distinto de la redención... Lamentablemente, Stone se toma demasiado en serio a sí mismo y a su idea de la célebre burbuja financiera (...) idea que se empeña en traspasar a su película, a la cual engorda para luego pincharla en un desenlace que la deja absolutamente vacía.

Patrick Modiano: "El horizonte"

2010-11-25T12:04:00.001+01:00

El primer encuentro entre Jean Bosmans, un aprendiz de escritor, y Margaret Le Coz se produce por azar. Años después el protagonista de la novela se pregunta si las palabras que dos personas han intercambiado durante su primer encuentro se han disipado en la nada... ¿Y si todas esas palabras quedaran suspendidas en el aire y bastase tan sólo un poco de atención para captar sus ecos? Bosmans se busca entonces en un pasado sólo recuperable a partir de fragmentos de vida. Anotando uno a uno los recuerdos, avanza Bosman tras los pasos no sólo de sí mismo, sino de Margaret Le Coz. Pronto descubriremos que Margaret se esconde en los suburbios de París y huye de Boyaval, una sombra amenazante que se cierne sobre los amantes. Treinta años más tarde Bosmans redibuja el mapa de su relación con Margaret, motivado por el luminoso horizonte del título y no por la melancolía. Y es ese horizonte esperanzado lo que hace de esta hermosísima novela una obra peculiar dentro del hipnótico universo literario de Patrick Modiano.

Jean Echenoz: "Correr"

2010-11-25T12:03:00.001+01:00

En los Juegos Interaliados de Berlín, en 1946, al ver detrás del cartel de Checoslovaquia a un solo atleta desmañado, todo el mundo se ríe. Pero después, cuando en los cinco mil metros acelera sin parar y cruza la meta en solitario, los espectadores estallan en un clamor. El nombre de ese chico que siempre sonríe es Emil Zátopek. En pocos años y dos Olimpiadas, Emil se convierte en invencible. Nadie puede pararlo: ni siquiera el régimen checoslovaco, que le espía, limita sus traslados y distorsiona sus declaraciones. Emil corre contra su decadencia, y sonríe. Incluso en las minas de uranio adonde lo destierran porque ha apoyado a Dubcek. Ni siquiera Moscú puede pararlo. La nueva novela de Jean Echenoz atraviesa cuarenta años de un destino excepcional y sin embargo misteriosamente parecido al nuestro. Y nos regala una escritura encrespada de esa impagable ironía que para Echenoz es sólo un pudoroso afecto. Su título: “Correr”.

Pierre Michon: "Los once"

2010-11-25T12:02:00.001+01:00

Entre sus novedades más recientes, la editorial Anagrama publica el último libro del autor francés Pierre Michon, titulado “Los once” e inspirado en un cuadro del Louvre que representa a los once miembros del Comité de Salvación Pública que, en Francia y en 1794, rigió el gobierno revolucionario e instauró el Terror. Un pintor: François-Élie Corentin. Un escritor: el historiador Jules Michelet, que dedica doce páginas de la Historia de la Revolución Francesa al cuadro Los Once. Quien busque ese cuadro en el Louvre o a ese pintor en una Historia de la Pintura no los encontrará. Y quien abra ese tomo de Michelet, se encontrará con el nombre de Géricault, no con el de Corentin, y con la descripción de un cuadro que quizá sí existe. Ese cuadro que podría haber estado en el Louvre, Los Once, cambia según el lado desde donde lo mire el visitante, como cambian esos once «apóstoles laicos» que pudieron, dice Michon, ser el Pueblo, y, a la postre, fueron «el regreso del tirano global». «La consumada habilidad con que se mezclan la minuciosa documentación histórica y los elementos inventados convierte esta invención en algo completamente verosímil» (Cécile Guilbert, Le Monde); «Un mundo que nace a golpe de picas y de guillotina y la historia de un hombre de Limusín a quien criaron unas mujeres, que aprendió el latín aunque no corriera prisa y lo convirtió en oro.
“Los once” es el resultado de quince años de trabajos preparatorios y de redacción y ha recibido el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa.

Hydrophonia

2010-11-25T11:58:00.002+01:00

http://hydrophonia.com/

Entrevista a Salvador Dalí (1ª parte)

2010-11-25T11:57:00.000+01:00

Programa Nº 56

2010-11-22T13:47:00.003+01:00

Contenidos del programa:
- Literatura griega: Homero y la tradición épica.
- Entrevista a Salvador Dalí, por Soler Serrano (2ª parte).
- "Paideia" de Werner Jaeger.
- Arte prehistórico: el musteriense.
- Música: John Coltrane, alva noto, Mika Vainio, Andrea, Hans Fjellestad, Oetz/Wagner/Stuart, Robert Montoya y Damon Holzborn.
Descárgalo en el siguiente enlace:
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Programa Nº 55

2010-11-17T14:01:00.003+01:00

Contenidos de este programa:
- Habitual lectura de la novela de L.F.Céline que da nombre al programa, sobre fondo musical de John Coltrane.
- La Egiptología: nacimiento de una disciplina.
- Voces contra la globalización.
- Poesía: "Amplificaciones" y "Arroyo" de Xavier Villaurrutia.
- Música: Zeena Parkins, Yuuki Matthews y Wolfgang Voigt.
Puedes descargarlo en el siguiente enlace:
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Yuuki Matthews: "Music for Savage Tropical Imagery"

2010-11-17T13:59:00.001+01:00

Asthmatic Kitty’s Library Catalog Music is a series of instrumental albums designed for possible use in films and television, background sounds for home or office, or personal needs, such as relaxation, stimulation, meditation, concentration, or elevation.

Yuuki Matthews is a Seattle-based freelance musician and owner of 2 cats. Originally from Hollywood (Burbank), California, Yuuki moved to the Northwest with his mother and brother in the mid-nineties. He recorded the songs that make up Music for Savage Tropical Imagery at home between tours, odd jobs, and major milestone events. With this record, Yuuki sought to expand upon the nostalgia of subtle sound degradation.

Zeena Parkins: "Between the Whiles"

2010-11-17T13:57:00.001+01:00

One of the world's most creative harpists, Zeena Parkins has contributed her inimitable playing style to the work of artists like Bjork, John Zorn, Yoko Ono,Sonic Youth and Matmos, whilst also recording a number of wonderful solo albums (including the timeless Nightmare Alley) and a couple of Phantom Orchard collaborations with electronics guru Ikue Mori. What most immediately sets Parkins apart from her peers is a roving appetite to look beyond the ordinary constraints of her instrument. While she's an accomplished classical musician, Parkins tends to treat her harp as a sound generating machine with near limitless possibilities, intertwining its natural timbres with amplification, heavy effects and electronic processing.

Programa Nº 54

2010-11-10T12:18:00.002+01:00

Ya puedes descargarte el programa nº 54, en el siguiente enlace:
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Lluis Miñarro: "Blow Horn"

2010-11-10T12:09:00.001+01:00

“Blow horn”, del español Lluis Miñarro, es una película construida como si se tratase de un Mandala, término de origen sánscrito que designa a los diagramas circulares simbólicos característicos del pensamiento hinduista y budista. El protagonista y coguionista es el Lama Jinpa Gyamtso, nacido en Terrassa, monje desde 1989 y director de varios centros de budismo tibetano en España. La cámara acompaña a un grupo de amigos que emergen de su retiro espiritual para emprender un viaje a La India. Allí, la aparentemente inalterable vida cotidiana demostrará no ser un impedimento para las búsquedas personales. Con su segunda película como realizador, el director pretende homenajear a aquellas personas que intentan explorar su propio interior en beneficio del resto de seres vivos.

Javier Fuentes-León: "Contracorriente"

2010-11-10T12:07:00.001+01:00

“Contracorriente” es un film peruano, dirigido por Javier Fuentes-León. Miguel (Cristian Mercado) es un pescador de pueblo, casado y a punto de ser padre, que tiene un romance secreto con Santiago, un pintor forastero. Miguel se enfrenta a un gran dilema cuando Santiago se ahoga accidentalmente y regresa después de muerto a pedirle que encuentre su cuerpo en el mar y lo entierre según los rituales del pueblo para que su alma descanse.

Anton Corbijn: "El americano"

2010-11-10T12:03:00.002+01:00

“El americano” es una película dirigida por Anton Corbijn y protagonizado por George Clooney, que encarna en esta ocasión a un asesino a sueldo que decide realizar un último encargo antes de retirarse para siempre. Así, se instala en un pequeño pueblo italiano donde, atraído por sus gentes, irá bajando poco a poco la guardia y perdiendo el anonimato y la cautela que su ocupación exige.

Achero Mañas: "Todo lo que tú quieras"

2010-11-10T11:57:00.003+01:00

La familia Velasco, compuesta por Leo, Alicia y su pequeña hija Dafne, de cuatro años de edad, vive una vida tranquila en la ciudad de Madrid. Alicia es, habitualmente, la persona encargada del cuidado y la educación de la niña. Durante las vacaciones de navidad Alicia muere, inesperadamente, tras un ataque de epilepsia, dejando a su marido solo con su hija. Leo, hombre conservador y homófobo, cuida de la pequeña como mejor puede. Dafne, muy afectada por la ausencia de su madre, reclamará continuamente la figura materna. Leo, con el único objetivo de buscar la felicidad de Dafne, será capaz de renunciar a sí mismo, luchando contra sus propios prejuicios, hasta el punto de perder su propia identidad.

Matthew Dear: "Black City" (Ghostly International, 2010)

2010-11-10T11:54:00.002+01:00

En Black City (2010, Ghostly International) Matthew Dear se saca de la manga su mejor disco hasta el momento. Un trabajo donde la electrónica sirve de telón de fondo para construir una nueva fórmula que sustituya a la guitarra y batería clásica, aunque al final viene a ser lo mismo pero con sintetizadores.

Edmund Husserl: el Antipsicologismo

2010-11-10T11:51:00.002+01:00

Mucho se ha discutido sobre el psicologismo en Husserl, es decir, su intento de fundar la aritmética en la psicología. Tanto en su tesis doctoral (Sobre el Concepto de Número) como en Philosophie der Arithmetik (Filosofía de la Aritmética) Husserl emplea el método de la psicología descriptiva de Brentano. Tiempo después, en su obra maestra Logische Untersuchungen (Investigaciones Lógicas), Husserl rechaza todo tipo de psicologismo. Muchos filósofos de la tradición analítica le adjudican este cambio a la reseña que hiciera Gottlob Frege a la Filosofía de la Aritmética en 1894. Sin embargo, la verdadera razón de su cambio a una teoría del conocimiento platónica fue su lectura de las obras de Bolzano, Leibniz y Hermann Lotze. Evidencia de que su cambio fue antes de la crítica de Frege reside en su reseña de la obra de Ernst Schröder, Vorlesungen über die Algebra der Logik (Conferencias sobre el Álgebra de la Lógica), publicado en 1891. (J.N. Mohanty, Husserl and Frege)

Ross Bolleter: "Night Kitchen" (Emanem, 2010)

2010-11-10T11:49:00.002+01:00

This is Bolleter's second collection of music on Emanem and his tenth since 2000. As with the first, it finds him making music on instruments that would seem upon cursory visual inspection as being unworthy of such attention. Bolleter recognizes the inherent humor and quixotic nature of his enterprise, but he's also very serious about his investigations. He improvises his pieces and in the case of this particular program, plays nearly all purposefully at night or near dawn with specific sources of inspiration in mind.

"Cloud Cuckooland" (Finders Keepers, 2010)

2010-11-10T11:42:00.002+01:00

The endearingly demented diggers at Manchester’s Finders Keepers label have assembled a compilation of “progressive pop, Kosmische slop, Artschule psyche and post-rock readymades” from the catalogue of Eckhart Rahn’s Kuckuck label.
Rahn founded his imprint, which takes its name from the German word for cuckoo, in 1971. The visual identity of Kuckuck – the distinctive cuckoo logo, typeface and centre-labels – came from a design company in Munich called ConceptData (the above picture is a detail from the cover of Out of Focus’s Wake Up LP). Rahn concentrated on A&R and paperwork, enlisting the help of American DJ/producer Mike Sondeck; it was Sondeck who introduced American electronic composer Sam Spence (and his collection of Moog synthesizers, paid for – oddly enough – by the NFL) to Kuckuck. Spence would become one of the key players in the label’s unfolding story.
Finders Keepers’ Cloud Cuckooland compilation focusses on Kuckuck pre-1974, when it was very much a krautrock label. It is released alongside the excellent Sam Spence compilation, Sam Spence Sounds.

John Clyde-Evans: "Go Gracious Kiki Change"

2010-11-10T11:40:00.001+01:00

It is a noisy shifting nest of fried loops, sizzling tones, off kilter rhythms, punctuations with some repeated vocal phrases for good measure. In the same vein as john's previous solo work, this release sees the introduction of vocals & almost stuttering hip-hop sampler type of rhythms. denser and noisier but maybe more grooving in a weird way.

- DALE GORFINKEL & AREK GULBENKOGLU - VIBRAPHONE/SNARE

2010-11-10T11:37:00.002+01:00

Dale Gorfinkel & Arek Gulbenkoglu’s Vibraphone/Snare, their debut album as a duo, is the next in the series of limited edition releases by Avant Whatever label.

http://www.avantwhatever.com/?p=458

Programa Nº 53

2010-11-03T12:13:00.002+01:00

Para bajar (y escuchar) el programa nº 53, sólo tienes que seguir el siguiente enlace:
http://www.megaupload.com/?d=1GSSRB0X
Entre sus contenidos, puedes encontrar:
- Romanticismo alemán: el círculo de Jena.
- Estrenos de cine: "Submarino" de Thomas Vinterberg.
- Pinacoteca Ambrosiana: "La última cena" de Vespino.
- Filosofía: Anaximandro (los contrarios).
- Historia: el poblamiento del continente americano.
- Música: John Coltrane, bandas sonoras de películas de Akira Kurosawa, Iibiis Rooge, Autechre, James Blackshaw y The Books.

James Blackshaw: "All is Falling"

2010-11-03T12:08:00.002+01:00

“All Is Falling” is the new (and ninth) example of the technique of the six (or twelve) chords that someone who is around thirty and who has spent years shut up in a room practicing twelve hours a day can acquire. But this isn’t just any technique. The uninhibited experimentation that James Blackshaw works with is pure acoustic avant-garde. And listening to him doing topographic and in-depth exercises in guitar sounds, in his present work, he embraces the steep cliffs of electro-acoustic music for the first time in his career.

Autechre: "Move of Ten"

2010-11-03T12:05:00.002+01:00

Podemos considerar Move of Ten un reverso amable del largo que editaron a principios de este año, Oversteps. El EP en cuestión dura más de 45 minutos, lo que ya muestra que probablemente es una colección de descartes más que otra cosa. Move of ten se aleja o evita los ritmos extraños y los quiebres sorprendentes, complicados malabarismos sonoros que causaron espasmos en discos como Chiastic slide (1997) o Confield (2001). Move of ten suena análogo a ratos, como si fuera una recuperación desde ahora del sonido de sus primeros discos, de los que recientemente el dúo ha confesado que se avergüenza.
Hay momentos de Move of ten (inútil reproducir los impronunciables títulos aquí) que rezuman algo que sólo puede describirse como sensualidad artificial. Después de años de matar el tiempo retorciendo sonidos de acuerdo con fórmulas cada vez más arcanas, aquí hay seducción, hay cosas que suenan como atisbos de algo brutal y desconocido, pero finalmente orgánico.

Iibiis Rooge: "Pink Hybrid"

2010-11-03T12:01:00.002+01:00

Modern psychedelic High Wolf jams + Astral Social Club fucked up improv electronics = something we don't have a name for. Better than a one shot collab this duo is made to last. Forthcoming debut LP on Dekorder.

Andrea Bianchi, "Vespino": "La última cena"

2010-11-03T11:59:00.001+01:00

En la PINACOTECA AMBROSIANA de Milán podemos encontrar el cuadro “La última cena”, de Andrea Bianchi, más conocido como Vespino, de la primera mitad del siglo XVII.
Este gran lienzo es la más importante de las copias de pinturas de Leonardo Da Vinci que Federico Borromeo encargó a Vespino. En su obra “Museum”, el cardenal explicaba que la copia fue hecha debido al deterioro que estaba sufriendo la obra maestra de Leonardo, considerado entonces como irreparable. Borromeo identificó el gran valor de la última cena por la intensa expresión de las emociones en las figuras de Cristo y de los apóstoles; consecuentemente, sólo quiso que se copiaran los bustos de las figuras, omitiendo el amplio escenario arquitectónico de la pintura original de Leonardo.
Borromeo también proporciona una invaluable información sobre la técnica pictórica utilizada en varias partes, copiadas en lienzos separados y unidas más tarde. Para hacer la copia lo más exacta posible, Vespino parece haber pintado cada cabeza después de estudiar concienzudamente los dibujos de Leonardo, y copió el cuadro dividiéndolo en cuadrados y calcándolo.